Los Grammy

Foto: ANGELA WEISS/AFP vía Getty Images

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Desde fiestas de barrio en Washington, DC hasta una celebración de una semana en el Lincoln Center de Manhattan y un festival en Atlanta, siga leyendo para obtener una lista de las celebraciones del 50 aniversario del hip-hop en todo el país.

El hip-hop nació en una fiesta humilde que se transformó en un movimiento definitivo. El 11 de agosto de 1973, Cindy Campbell le pidió a su hermano Clive (conocido por su nombre artístico DJ Kool Herc) que actuara como DJ en una recaudación de fondos escolar que ella organizó. Ese evento, celebrado en la sala comunitaria de un edificio de apartamentos del Bronx, dio paso no solo a un género sino a un movimiento. Hoy en día, el hip-hop ha influido en la política, la educación, la moda, la tecnología y la cultura pop en todo el mundo.

Este año se cumple el 50 aniversario del hip-hop, por lo que, naturalmente, se llevarán a cabo una amplia gama de exhibiciones, fiestas de barrio y conciertos en los cinco distritos de la ciudad de Nueva York y en todo el país para celebrar el impacto del género. Aquí hay una lista selecta de eventos que conmemorarán este movimiento innovador e importante hito.

Varias ciudades

30 de junio - 14 de octubre

Un elemento importante en los eventos de Hip-Hop 50 es regalar flores a las leyendas, y Masters of The Mic: Hip-Hop 50 Tour es una reunión de algunos de los pioneros del género. Organizada por Universal Atracciones Agency (UAA), RAMP Entertainment Agency y Mahogany Entertainment, la gira contará con actuaciones de Big Daddy Kane, Doug E. Fresh, KRS-One, Rakim y Slick Rick. EPMD, Roxanne Shante y DJ Spinderella también aparecerán en ciudades seleccionadas.

"Si bien la cultura puede haber comenzado en el Bronx, resuena en todo el mundo, y gran parte del crédito es para Doug, Rick, Kane, KRS y Rakim", dice Nick Szatmari (coproductor de la gira) de la UAA. en un comunicado de prensa, "quiénes fueron los pioneros que lo llevaron de la cuadra a las vallas publicitarias. No tienes a ninguno de los raperos icónicos de hoy sin que se apoyen en los cimientos establecidos por los Masters of the Mic durante los años 80 y Años 90."

La caminata comenzó el 30 de junio en el Essence Fest y finalizará en San Antonio el 14 de octubre.

Nueva York

28 de julio - 21 de octubre

La influencia del hip-hop va más allá de la música, y algunas de las estrellas más importantes del género se convirtieron en actores igualmente exitosos.

Queen's the Museum of the Moving Image presentará artistas de hip-hop en películas con proyecciones de Baby Boy, 8 Mile, Barbershop y Poetic Justice. La serie, "Real Rap: Hip-Hop Star Power on Screen" incluirá presentaciones especiales, debates, una presentación de palabras habladas y una fiesta de baile de verano.

Nueva York

20 de julio, 27 de julio, 3 de agosto

La serie Uptown Bounce, organizada por el Museo de la Ciudad de Nueva York, El Museo del Barrio y The Africa Center, se ha llevado a cabo en Manhattan durante los últimos 10 años.

Para la versión de 2023, los museos celebrarán sus aniversarios y los del hip-hop en el Africa Center de Harlem. Las fiestas gratuitas de verano, que abarcarán tres fechas diferentes, incluirán invitados como DJ Birane para "Afrobeats and Hip-Hop" y DJ Misbehavior para "I Love the '90s".

Nueva York

26 de julio - 16 de septiembre

La compañía global de entretenimiento Mass Appeal, el estudio creativo híbrido SUPERBIEN y la plataforma certificada de Sony Music Entertainment unieron fuerzas para crear la exhibición inmersiva "Hip Hop Til Infinity".

Hip Hop Til Infinity, que se exhibirá en Hall des Lumières, el centro permanente más grande de la ciudad de Nueva York para experiencias artísticas inmersivas diseñadas a medida, llevará a los visitantes en un viaje a través de las diferentes épocas y regiones del rap. Incluirá fiestas de escucha, paneles en vivo, encuentros y saludos de artistas, conciertos virtuales y una integración de metaverso.

"No esperarías ver hip-hop en un lugar como Hall des Lumières", dijo a Artnet News Jon Colclough, vicepresidente de estrategia creativa de Mass Appeal. "No creo que la gente entienda que el hip-hop es un fenómeno global y no sólo música".

Nueva York

27 de julio

El fotógrafo nacido en Brooklyn Jamel Shabazz ha estado documentando la cultura y las comunidades hip-hop en todos los distritos desde los años 80. Su nueva instalación "Faces and Places, 1980-2023" en el Museo de Brooklyn es un viaje visual al pasado.

La exposición estará abierta hasta septiembre, pero el 27 de julio el artista se unirá al curador Drew Sawyer para una conversación íntima sobre la importancia de su trabajo.

Brooklyn, Nueva York

En curso

La Biblioteca Pública de Brooklyn estrenó recientemente una experiencia inmersiva sobre uno de los raperos más legendarios del barrio, Jay-Z. Creado por Roc Nation, The Book of HOV presenta "imágenes, arte y objetos efímeros nunca antes vistos de los archivos del artista, brindando una mirada incomparable a una vida y carrera extraordinarias".

Distribuido en dos pisos en la sucursal central de la biblioteca, además de una instalación en la fachada del edificio, El Libro de HOV se exhibe en ocho capítulos que detallan el ascenso a la fama y el éxito del ganador del GRAMMY. Entre las características de la exhibición se encuentra una réplica de Baseline Studios, donde Jay-Z grabó álbumes clásicos, incluidos The Blueprint y The Black Album.

Nueva York

5 de agosto

La Biblioteca Pública de Nueva York se asoció con el New Victory Theatre de la ciudad de Nueva York para una edición especial de Dance Party NYC. El evento gratuito incluirá lecciones de baile de los artistas docentes de New Victory, Olney Edmondson y Sun Kim, un taller de diseño de zapatillas e inscripciones para la tarjeta de biblioteca de hip-hop de edición especial de NYPL.

El mismo día, la NYPL también organizará un evento llamado The Rap Up. Incluirá paneles de discusión y exhibiciones de hip-hop con el editor en jefe de la revista VIBE, Datwon Thomas, el director de Wild Style, Charlie Ahearn, la leyenda del rap Fab 5 Freddy, los diseñadores de ropa urbana 5001 Flavors y April Walker, y más.

Nueva York

5 de agosto

El cartel del Festival Rock The Bells de este año está repleto de artistas que ayudaron a llevar el hip-hop al mundo.

"¡Hemos convertido en una prioridad honrar la cultura hip-hop! Esta es una celebración para los artistas que allanaron el camino y las legiones de fanáticos en todo el mundo durante el año del 50 aniversario del hip-hop", dijo el presidente de Rock The Bells, James Cuthbert, en comunicado de prensa. "El escenario está listo para el reconocimiento y la celebración tan esperados de nuestra cultura y los fanáticos que la viven y respiran. Esta alineación representa íconos y artistas de varias décadas, ciudades y estilos, lo que garantiza que los fanáticos tengan la mejor experiencia de hip-hop posible".

De hecho, el festival tiene una lista impresionante de íconos, incluidos Queen Latifah, De La Soul, Slick Rick, Salt-N-Pepa, Ludacris, Method Man & Redman, Swizz Beatz y muchos más.

Nueva York

11-12 de agosto

Durante los últimos 45 años, BRIC ha sido venerado por ser una institución inclusiva que destaca tanto a los recién llegados eclécticos como a las leyendas experimentadas del hip-hop y el R&B. La marca con sede en Brooklyn es más conocida por su BRIC Celebrate Brooklyn! Festival, que es el festival gratuito de artes escénicas más antiguo de Nueva York. Para conmemorar el 50 aniversario del hip-hop, los organizadores están planeando un fin de semana lleno de diversión que destaque a la comunidad.

¡El 11 de agosto, BRIC celebra Brooklyn! lanzará un concierto con el trío de jazz y rap alternativo Digable Planets, que celebran el 30 aniversario de su debut Reachin' (A New Refutation of Time and Space), y la rapera sureña Kari Faux. Al día siguiente, la institución acogerá la proyección de la comedia romántica y carta de amor al hip-hop de 2002, Brown Sugar.

"Estamos más que emocionados de presentar el hip-hop BRIC al mundo a través de este fin de semana de programación y unir a nuestras comunidades en torno a un amor compartido por la cultura hip-hop", dijo el presidente de BRIC, Wes Jackson, en un comunicado de prensa. "Nos comprometemos a brindar un hogar imperecedero para la educación, expresión y evolución del hip-hop no sólo este verano sino en los años venideros".

Nueva York

10 de agosto

Las raíces del hip-hop están en el reggae y el dancehall, ya que DJ Kool Herc y Cindy Campbell son de ascendencia jamaicana. En 1973, Herc y el maestro de ceremonias Coke LaRock tomaron prestados elementos de los sistemas de sonido y tostadoras jamaicanos, dando origen así al sonido del hip-hop. Para conmemorar la belleza de la mezcla de culturas, Rock the Bells de LL Cool J, Bowery Presents de Live Nation, Impulse Nation y Jamaica Music Conference han anunciado Faawud: la celebración oficial del 50.° hip-hop de Jamaican Sound System Culture.

El evento, que tendrá lugar en el Webster Hall de la ciudad de Nueva York, incluirá una batalla entre un maestro de ceremonias de hip-hop y una tostadora jamaicana, una exhibición que presenta varios recuerdos (como componentes de audio y carteles) de los primeros días de los géneros y un panel con Herc , el gran maestro Kaz y el seleccionador jamaicano Danny Dread.

Nueva York

11 de agosto

El Museo Universal Hip-Hop del Bronx celebra el lugar de nacimiento del género con una fiesta en la calle. Celebrado en Mill Pond Park, el evento gratuito contará con un código abierto del Red Bull BC One, una muestra de "Rapmania" y murales de Thrive Collective, una organización que ofrece artes, deportes y oportunidades de tutoría en las escuelas públicas de Nueva York.

Atlanta, Georgia

11-13 de agosto

Boom Bap Atlanta se asocia con The Hype Magazine para un festival de tres días que se llevará a cabo en Park Tavern y Piedmont Park de la ciudad. Hip Hop 50 Fest se llevará a cabo junto con el fin de semana del Festival de Música y Artes BeREGGAE.

La experiencia gratuita en Piedmont Park tendrá un ambiente relajado de picnic con vendedores y hip-hop a todo volumen a través de los parlantes. La experiencia con entrada en Park Tavern contará con actuaciones y conversaciones de artistas e influyentes culturales. Los eventos diarios son los siguientes: la fiesta del 21 aniversario de la revista Hype y el seminario de base el 11 de agosto, un tributo a las lenguas nativas el 12 de agosto y el evento "Beats & Lyrics & Flow & Substance" el 13 de agosto.

Nueva York

11 de agosto

El Yankee Stadium del Bronx se transformará en una celebración épica de la música rap con Hip-Hop 50 Live. Run-DMC, Lil Wayne, Snoop Dogg y Ice Cube se apoderarán del legendario estadio. También habrá actuaciones especiales, incluido un set de "Queens of Hip Hop" con Eve, Lil Kim, Remy Ma, Trina y otros. Un set de "Pillars of Hip-Hop" contará con los pioneros del rap Kurtis Blow, Melle Mel, Roxanne Shante y más.

"Me siento honrado de subir al escenario en el Bronx, el lugar de nacimiento del Hip Hop y celebrar a todos mis héroes", dijo Rev Run en un comunicado de prensa. "¡El 11 de agosto es el cumpleaños número 50 del Hip Hop! Así que… ¡'Arriba en el Bronx', donde todo comenzó, celebraremos este momento histórico de la historia! Es un honor para mí rendir homenaje a la cultura que permitió crecer a este pequeño niño tímido de Queens. ¡¡¡Levántate y conviértete en el poderoso rey del rock! ¡¡¡Gracias Hip Hop!!!" dijo DMC en un comunicado de prensa.

Otros artistas incluyen a TI, Fat Joe, Common, A$AP Ferg, EPMD, Ghostface Killah, Lupe Fiasco y Slick Rick. Un set de DJ contará con Clark Kent, Marley Marl, Mannie Fresh y Battlecat.

Washington DC

12 de agosto

La fiesta inaugural del bloque de hip-hop del Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana (NMAAHC) del Smithsonian contó con 8.000 asistentes en 2022. Este año, planean hacerla aún más grande para el aniversario especial del género. NMAAHC instalará un panel de exposición al aire libre que destacará nuevos artefactos de hip-hop de la colección del museo. Además de las actuaciones de DJ, artistas e influencers culturales (aún no revelados), los asistentes también podrán participar en actividades como graffiti y breakdance.

También habrá recorridos centrados en el hip-hop por las galerías de NMAAHC y el regreso del Club Café que contará con un menú inspirado en el rap. El evento gratuito se llevará a cabo en el National Mall en la intersección de Madison Drive NW y 14th Street.

Dallas, Texas

12 de agosto

Dallas ha dado origen a algunos de los artistas más influyentes del rap, incluidos The DOC, Yella Beezy, Bobby Sessions, Dorrough y Post Malone. La ciudad planea honrar su escena hip-hop con un evento gratuito que tendrá lugar en Armory DE. Organizado por el rapero local Rakim Al Jabbaar y The Farmacy Family, incluirá actuaciones, sesiones de DJ y apariciones de Fat Pimp, Bobo Luciano, Kottonmouth Jesse y Pikahsso.

Nueva York

12 de agosto

El Lincoln Center de Nueva York está planeando una impresionante serie de eventos para su semana del hip-hop, que se llevará a cabo del 9 al 12 de agosto. Desde una lección de baile "Ladies of Hip-Hop Dance Collective" hasta una discoteca silenciosa presentada por DJ Spinna, hay mucho para que disfruten los amantes del rap de todas las edades.

Uno de los eventos destacados es un concierto gratuito con Rakim y Rapsody en Damrosch Park. Rakim es un MC legendario que ayudó a allanar el camino para las metáforas técnicas del rap, mientras que Rapsody es uno de los mejores narradores de la generación millennial. Éste creará una unión emocionante entre las generaciones de la vieja y la nueva escuela.

Nueva York

19 de agosto

El Genius "IQ/BBQ" hace un gran regreso en agosto al Queen's Knockdown Center. Las festividades que duran un día incluyen presentaciones de hip-hop en vivo (el cartel se anunciará pronto), sesiones de DJ y platos "inspirados en las letras" de los camiones de comida centrados en la ciudad de Nueva York.

El evento se presenta en asociación con Infiniti, Paco Rabanne, Patrón El Alto, Paramount+ y "The Chi" de Showtime.

Nueva York

15 de septiembre

El hip-hop se apoderará del Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York este otoño para el concierto Hip Hop Forever, presentado por las estaciones de radio locales Hot 97 y WBLS-FM y curado por Funk Flex.

El cartel incluye a los pilares del rap (y nativos de Nueva York) Wu-Tang, así como a Mariah Carey y Mary J. Blige, dos mujeres que han combinado magistralmente el rap con el R&B y el soul. Otros actos incluyen a Sean Paul, Maxwell, Tyrese y EPMD.

Atlanta

28-29 de octubre

Kendrick Lamar, Janet Jackson y Megan Thee Stallion encabezarán el ONE Musicfest de este año, que se llevará a cabo en el Piedmont Park de Atlanta. En honor al 50 aniversario del hip-hop, el festival tendrá un escenario especial con artistas que abarcan generaciones, incluidos Nelly, KRS-One, Big Daddy Kane, Kid Capri, DJ Drama, Uncle Luke de 2 Live Crew, Lady of Rage y Too $hort. .

"Tener la oportunidad de recibir a Kendrick Lamar, Janet Jackson, Megan Thee Stallion, Brent Faiyaz y otros artistas icónicos en medio de Piedmont Park es un sueño hecho realidad, especialmente en el 50 aniversario del Hip Hop", dijo el fundador J. Carter. dijo en un comunicado. "No hay nada mejor que esto".

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Foto: Andersen Ross Photography Inc.

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El uso de samples ha influido en artistas y DJ durante décadas. También ha sido motivo de demandas e ira: sigue leyendo para conocer 10 de las mayores controversias sobre samples en el hip-hop, desde 2 Live Crew y la pausa de "Amen Brother" hasta Young Nudy.

El hip-hop no existiría sin el sampleo. A lo largo de sus 50 años de existencia, raperos, productores y DJ han tomado música antigua y la han hecho nueva nuevamente, remezclando y reinterpretando la creatividad de generaciones anteriores e incorporándola a la cultura actual.

Pero no todo el mundo se siente halagado cuando un rapero prueba su canción. La historia del hip-hop está plagada de batallas legales por muestras no autorizadas, desde los primeros días del salvaje oeste del género hasta la era moderna. Algunas de estas controversias han tenido implicaciones duraderas para toda la industria.

A continuación, echamos un vistazo a algunas de las muestras más controvertidas del hip-hop.

Antes de "Rapper's Delight", el hip-hop era predominantemente una forma de arte en vivo. Los raperos rara vez grababan y preferían actuar para una audiencia en vivo, improvisando raps de estilo libre sobre discos de funk y soul pinchados por DJ. El uso de samplers y cajas de ritmos aún no estaba muy extendido. Sin embargo, Sylvia Robinson, cantante y propietaria de un estudio, quiso aprovechar la tendencia. Formó el grupo de rap Sugarhill Gang e invitó a algunos músicos de estudio a grabar una versión con sonido similar del instrumental de "Good Times" de Chic para que rapearan.

La canción ni siquiera había llegado a las listas de éxitos todavía, aunque se convertiría en la primera canción de hip-hop en superar el Top 40 de Billboard, antes de que Nile Rodgers de Chic escuchara una primera versión en un club de Manhattan. Irónicamente, varios miembros de Sugarhill Gang, así como Fab Five Freddy, se habían unido a la banda en el escenario de un show semanas antes para hacer estilo libre durante "Good Times". A Rogers no le gustó que la canción fuera eliminada, y él y el bajista de Chic, Bernard Edwards, inmediatamente amenazaron con emprender acciones legales, con un acuerdo que los llevó a ser acreditados como coautores.

La canción llevó el hip-hop a la corriente principal, pero también preparó el escenario para muchos casos similares de productores que pidieron perdón en lugar de permiso y enfrentaron las consecuencias.

Otro ejemplo de "muestreo sin muestreo", "Planet Rock" no fue una regrabación directa de una canción anterior como "Rapper's Delight". Tras comprobar la popularidad de las canciones de Kraftwerk en las discotecas de Nueva York, el productor Arthur Baker y la DJ Afrika Bambaataa decidieron fusionar la música electrónica del grupo alemán con el hip-hop.

"Planet Rock" fusiona el ritmo de "Numbers" con la melodía de "Trans-Europe Express", con Bambaataa y Soulsonic Force rapeando arriba, pero Baker recreó ambos con sus propios instrumentos. Sin embargo, nunca pidieron permiso a Kraftwerk y cuando la banda contactó a Tommy Boy Records, el sello decidió darles un dólar por cada copia vendida, aumentando los precios para recuperar el costo.

La canción dio origen a un género, el electro, e influyó en todo, desde el techno de Detroit hasta el bajo de Miami. Años más tarde, Kraftwerk demandó a otro músico por sampleo no autorizado, un caso que llegó hasta el tribunal más alto de Alemania en 2016.

Cuando los Winston, la banda de soul con sede en Washington, DC, grabaron "Amen, Brother", no podrían haber predicho que la pausa de batería de siete segundos interpretada por Gregory Coleman se convertiría en uno de los sonidos más icónicos y frecuentemente replicados de la música. .

Y, sin embargo, eso es exactamente lo que sucedió: después de ser incluido en compilaciones de drum breaks como Ultimate Breaks y Beats diseñados para que los DJ los reproduzcan y muestreen, "Amen Break" se abrió paso en canciones icónicas de hip-hop de NWA ("Straight Outta Compton" ), Mantronix ("King of the Beats"), 2 Live Crew ("Feel Alright Y'all") y, finalmente, incluso el tema principal de "Futurama". Pero la ruptura realmente explotó en el Reino Unido, donde los productores británicos de música dance, que necesitaban pistas más rápidas para el explosivo movimiento rave, aceleraron la ruptura. Lo cortaron hasta que "Amen Brother" fue apenas reconocible, y otros cortes famosos como "Funky Drummer" y "Think" recibieron un tratamiento similar.

El resultado fue Jungle, y sus géneros disidentes, drum and bass y breakcore, y la revolución breakbeat que desató ahora influye en grupos de pop moderno como PinkPantheress y NewJeans. Según WhoSampled, "Amen, Brother" se ha muestreado en 6.174 canciones, lo que puede ser una estimación baja.

Sin embargo, como dice el refrán, la revolución se come a sus hijos. Gregory Coleman, el baterista de los Winstons que originó la ruptura, nunca recibió un centavo de regalías por nada de eso. No tenía hogar en el momento de su muerte en 2006 y, según el líder de la banda de Winston, Richard Lewis Spencer, no tenía idea de que la ruptura había tenido tal impacto. El propio Spencer ha sido indiferente al impacto de la ruptura, a veces calificando su uso como plagio, pero al menos pudo ganar algo de dinero con ello: como el último miembro vivo de los Winston, recibió 37.000 dólares de una campaña de GoFundMe de 2015 destinada a reembolsando algunas de las regalías perdidas antes de morir en 2020.

A finales de los 70 y durante los 80, el hip-hop floreció creativamente como resultado del muestreo creativo. Productores como Bomb Squad de Public Enemy crearon discos llenos de docenas de muestras, un enfoque similar a un collage que influiría en artistas como DJ Shadow y Avalanches. Y, sin embargo, en 1991, una demanda por una muestra no autorizada amenazó con acabar con toda la forma de arte.

Biz Markie, famoso por canciones cómicas como "Just A Friend", había sido arrastrado ante un tribunal federal junto con Warner Bros. Records por utilizar una parte de "Alone Again (Naturally)", una canción pop casi olvidada de los años 70. por Gilbert O'Sullivan. El caso fue un desastre para Markie y para la creatividad en general. El tribunal dictaminó que debido a que el sello se había puesto en contacto con los titulares de los derechos de autor de la muestra, quienes le negaron el permiso para usar la canción y luego la publicaron de todos modos, eran culpables de infracción flagrante y deliberada de los derechos de autor.

El argumento de la defensa de que el muestreo no autorizado estaba muy extendido en la industria musical fue rechazado por el juez Kevin Duffy. En su fallo, que comienza citando el mandamiento bíblico "No robarás", Duffy escribió que: "Los acusados... quieren hacer creer a este tribunal que el robo es rampante en el negocio de la música y, por esa razón, su conducta aquí debe ser excusado."

A Markie se le ordenó pagar 250.000 dólares por daños y perjuicios y fue remitido (pero nunca acusado) a un tribunal penal por robo, lo que apestaba a paternalismo racista. Sin embargo, el resultado principal de la decisión (que cualquier muestra no aprobada constituye una infracción de derechos de autor) fue aún más dañino, creando un efecto paralizador en todo el hip-hop que impidió a los artistas aprovechar al máximo el potencial creativo de la práctica. Warner Bros. eliminó la canción del álbum de Markie y el rapero tituló su próximo disco All Samples Cleared!

¿Es Luther Campbell, el don dada de Miami bass maestros 2 Live Crew, más inteligente que todo el equipo legal de Warner Bros. que echó a perder el caso "Alone Again"? A juzgar por el hecho de que logró arrastrar un caso de muestra no aclarado de un artista mucho más famoso que Gilbert O'Sullivan hasta la Corte Suprema (y ganar), la respuesta es sí.

Al igual que Biz Markie, 2 Live Crew había pedido permiso para utilizar una muestra, en este caso "Oh! Pretty Woman" de Roy Orbison, y fue rechazada. Quizás esto se debió a su reputación poco familiar, ya que el grupo había estado entrando y saliendo de los titulares luchando contra acusaciones de obscenidad por el álbum más vendido As Nasty As They Wanna Be. Sin embargo, lanzaron la canción de todos modos, y cuando el sello de Orbison finalmente presentó una demanda, Campbell presentó una defensa inteligente: uso legítimo.

Campbell declaró que la canción de 2 Live Crew, "Pretty Woman", era una parodia del original de Orbison y, por lo tanto, la muestra constituía un uso legítimo. El caso llegó hasta la Corte Suprema, que revocó un fallo anterior de un tribunal de apelaciones que decía que la canción no podría haber sido un uso legítimo debido a su naturaleza comercial. También estuvieron de acuerdo con el fallo inicial del tribunal de distrito federal que decía que la canción de 2 Live Crew no era lo suficientemente similar a la de Orbison como para constituir una infracción total.

Irónicamente, el propio Campbell luego demandó a 50 Cent por usar "It's Your Birthday" en su exitoso sencillo "In Da Club", mientras que 50 más tarde demandó a Rick Ross por usar el ritmo de esa canción en un estilo libre.

Hov terminó lamentando algunas de las letras sexistas de esta colaboración con Bun B y Pimp C de Houston, pero la razón por la que él y Timbaland terminaron en la corte por "Big Pimpin" fue una muestra polémica. El productor ya había desembolsado más de 100.000 dólares para probar "Khosara Khosara" del compositor egipcio Baligh Hamdi, pero esto no fue suficiente para Osama Ahmed Fahmy, el sobrino de Hamdi.

Citando el concepto legal egipcio de "derechos morales", Fahmy afirmó en una demanda de 2005 que la canción no tenía licencia porque Jay-Z y Timbaland no habían pedido permiso a los herederos de Hamdi. La demanda quedó en un limbo legal durante años antes de que un juez de California finalmente permitiera que Fahmy procediera, momento en el que Linkin Park también había sido retirado debido a una combinación de "Big Pimpin" con su sencillo "Papercut". Durante su testimonio cuatro años después, Jay-Z declaró que no sabía que había siquiera una muestra en la canción, diciendo: "Timbaland me presentó una pista. Ni siquiera pensé en que hubiera una muestra".

El caso finalmente se resolvió en 2018 cuando un tribunal de apelaciones confirmó la sentencia sumaria original a favor de Jay-Z, momento en el que la canción tenía casi 20 años.

Muchas de las muestras utilizadas en Yeezus, el incendiario y famoso álbum de 2013 de Kanye, terminaron sin autorización. West presentó demandas de la banda húngara de rock progresivo Omega (muestreada en "New Slaves") y Ponderosa Twins Plus One (muestreada en "Bound 2") por usar su música sin permiso. Pero fue "Blood on the Leaves" la que atrajo más atención por su descarada (y totalmente autorizada) apropiación de la versión de Nina Simone de "Strange Fruit", originalmente hecha famosa por Billie Holiday.

El hecho de que un rapero megafamoso utilizara un famoso himno contra los linchamientos para denunciar el materialismo y el exceso que abunda en el hip-hop podría haber irritado algunas plumas (algunos críticos conservadores incluso argumentaron que era una canción contra el aborto), pero la canción recibió elogios casi universales.

Es cierto que "Blurred Lines" no es exactamente una canción de hip-hop, pero cuenta con la participación de dos raperos y, aunque no es exactamente una muestra, el "préstamo" demasiado liberal que Robin Thicke y Pharrell hacen de "Got to Give it Up" de Marvin Gaye. "Cambió la industria musical irreparablemente. Ciertamente, la canción fue enormemente controvertida, abriendo un discurso previo al #MeToo sobre la cosificación de las mujeres y la glorificación de la cultura de la violación que finalmente condujo a prohibiciones. Pero fueron las similitudes con la canción de Gaye, de las que Willams y Thicke hicieron alarde en la prensa, así como una acción legal preventiva contra el patrimonio de Marvin Gaye, las que tuvieron un impacto más duradero y dañino.

Williams había argumentado en su denuncia inicial contra la familia Gaye que su reclamo no se basaba en elementos musicales específicos, sino en la similitud nominal de las dos canciones. Sin embargo, un jurado falló por unanimidad a favor de la familia. Básicamente, el caso reescribió los precedentes legales de la ley de derechos de autor musicales de la noche a la mañana, ampliando el alcance por el cual una canción podría considerarse una infracción. Gracias a la demanda por "Blurred Lines", un músico puede vivir con miedo a ser depredado legalmente simplemente porque su nueva canción suena vagamente similar a una de hace 30 o 40 años.

Mientras tanto, se están realizando inversiones masivas en música antigua, en parte para compensar este efecto escalofriante creativo.

No hay nada particularmente incendiario en la quejumbrosa muestra de guitarra de "Shape of My Heart" de Sting que forma la columna vertebral del éxito de rap emo de Juice WRLD. Sin embargo, cuando el productor Nick Mira reveló que Sting se había quedado con el 85 por ciento de los derechos de la canción, se convirtió en una demostración de cómo el sampleo se ha convertido en una forma para que los artistas establecidos exploten los nuevos talentos.

También atrajo una demanda de la banda de pop-punk Yellowcard, quien citó similitudes con su tema "Holly Wood Died". El propio Juice WRLD restó importancia a la situación y dijo: "Siempre se puede ganar más dinero". La demanda fue retirada posteriormente después de la trágica muerte temprana del rapero de 21 años en diciembre de 2019.

Una de las canciones inéditas más exitosas de los últimos tiempos es también una advertencia para mantener las filtraciones bajo control. La canción originalmente titulada "Pissy Pamper" era una pista producida por Pi'erre Bourne originalmente destinada a Sli'merre, su mixtape colaborativo con Young Nudy.

Con su uso destacado de un bucle de "Tasogare" de la cantante japonesa Mai Yamane (mejor conocida por los fanáticos del anime por el tema final de "Cowboy Bebop"), lamentablemente la pista nunca llegó al disco debido a un problema de autorización de muestras. Pero de alguna manera, un archivo filtrado llegó a Spotify, donde su componente asesino, un evocador verso de "voz de bebé" de Playboi Carti en el pico de la histeria anterior a Whole Lotta Red.

El resto es historia: memes de Internet, recargas sin partes de Nudy, etc. Gracias a las redes sociales, la canción es una piedra de toque generacional que no debería existir legalmente.

Escuche la lista de reproducción del 50 aniversario de hip-hop de GRAMMY.com: 50 canciones que muestran la evolución del género

Foto: Johnny Núñez/WireImage

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En una entrevista con GRAMMY.com, los pioneros del hip-hop, DJ Kool Herc y Cindy Campbell, hablan sobre los orígenes de la cultura en la sala de recreación de su apartamento y las innumerables formas en que su herencia jamaicana influyó en el hip-hop.

El 11 de agosto de 1973, la estudiante de secundaria Cindy Campbell organizó una fiesta en la sala de recreación del edificio de apartamentos de su familia en el Bronx para ganar dinero y comprar ropa nueva para el regreso a clases. Cindy escribía invitaciones a mano en fichas y cobraba una modesta tarifa de entrada (25 centavos para las damas, 50 centavos para los "muchachos"); Le pidió a su hermano Clive, de 18 años, que tocara la música.

Clive, más conocido como DJ Kool Herc, instaló sus tocadiscos, mezcladores, amplificadores y altísimos parlantes, que hacían sonar una mezcla de discos de funk y soul. El amigo de Herc, Coke La Rock, nativo del Bronx, gritaba intermitentemente amigos y rimas rápidas sobre las pausas instrumentales de los discos para entusiasmar a la multitud. Si bien la gran participación de sus compañeros aseguró que Cindy comenzaría el año escolar vistiendo la última moda, los hermanos habían hecho algo infinitamente más importante: Cindy y Herc provocaron un movimiento.

El origen preciso de cualquier género musical rara vez se puede rastrear hasta un solo evento. Pero la fiesta de Cindy y Herc en 1520 Sedgwick Avenue, celebrada hace 50 años, es ampliamente reconocida por sentar las bases sobre las que se construyó el hip-hop.

"Desde mi fiesta de regreso a clases donde tocó mi hermano Herc, su influencia con la música, las canciones, los ritmos que eligió, supo que tenía algo especial allí. Dominó la década de 1970 y creó esto que llamamos hip -hop", dijo Cindy Campbell a GRAMMY.com en una entrevista telefónica reciente, y Herc se unió más tarde a la conversación.

Pero el término hip-hop, que abarca los cuatro elementos del movimiento (maestro de ceremonias o rap, breakdance, graffiti y tocadiscos) no se utilizaría hasta varios años después de que tuviera lugar la fiesta de regreso a clases.

Cindy dice que uno de los eventos más significativos en la elevación del perfil del hip-hop fue la película Beat Street de 1984, de la cual Harry Belafonte fue productor ejecutivo. "En un momento, la gente no sabía hacia dónde se dirigía el hip-hop, pasó desapercibido, pero Harry hizo la película porque sabía que algo especial estaba sucediendo; llevó el hip-hop a otro nivel y la música se hizo internacional. ", reflexiona.

Décadas después, el hip-hop está celebrando múltiples hitos y Herc recibirá sus flores.

El 3 de noviembre, DJ Kool Herc será incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en una ceremonia celebrada en el Barclays Center de Brooklyn.

"Diría que ya era hora, ¡pero no estoy enojado con ellos porque Willie Nelson será admitido este año y tiene 90 años!" bromea Herc. El Rock Hall identifica a Herc, de 67 años, como uno de los fundadores del hip-hop, pero Herc ofrece una aclaración: "Soy el padre fundador del hip-hop", afirma, "porque nadie más estaba haciendo esto cuando comencé". ".

Clive Campbell, un ex artista de graffiti cuya etiqueta era CLYDE (por la mala pronunciación de Clive por parte de sus amigos) AS KOOL (tomado de un anuncio de cigarrillos), se ganó el apodo de Hércules en la escuela secundaria por su imponente y musculosa estatura y su excelencia en los deportes. Pero fue la experiencia de Herc como bailarín la que le llevó a desarrollar su innovadora técnica como DJ.

Detrás de los tocadiscos, Herc prestaba mucha atención a los bailarines de sus fiestas y sus respuestas a sus selecciones musicales; notó que lo que más les entusiasmaba eran las pausas instrumentales de la canción. Basándose en esa observación, Herc utilizó copias dobles del mismo disco en dos tocadiscos, cambiando entre ellas con un mezclador y prolongando el breve intervalo de percusión de una canción en un bucle rítmico hipnótico extendido. Llamó a su enfoque distintivo el tiovivo y influiría en otros DJ pioneros del hip-hop del Bronx, incluidos Grandmaster Flash y Afrika Bambaataa.

"Tenía dos copias del mismo disco y elegí la yema y la mantequilla. Encontré los ritmos, la pausa y los reproduje en todos los discos", recuerda Herc. "No tenía auriculares en ese momento, pero podía ver los cortes en los ritmos del disco y simplemente iba y venía. Una vez que los bailarines escucharon eso, lo único que querían escuchar eran los cortes. "Otros DJ tenían discos". ofrece Herc, "pero yo tenía un estilo que ellos no tenían, el estilo de Herc, el tiovivo".

Hip-Hop: nacido de un paisaje sonoro ecléctico

Al igual que su padre, que era un ávido coleccionista de discos, Herc escuchaba una variedad ecléctica de música: los sencillos clásicos de ska jamaicano de Prince Buster and the Skatalites, los icónicos lamentos country de Jim Reeves, pepitas de soul y éxitos del Top 40. "En aquel entonces escuchaba WWRL AM y [las leyendas de la radio de la ciudad de Nueva York] Frankie Crocker en WBLS FM y Cousin Brucie en WABC AM; escuché a Boz Scaggs, Three Dog Night, 'Sympathy for the Devil' de los Rolling Stones, '", compartió Herc.

Herc eligió los discos según sus pausas, independientemente del género, y los entretejió en un paisaje sonoro estimulante que se convirtió en la base auditiva del hip-hop. "Se me ocurrió toda esa música, sin racismo", explica Herc. "Si eres chino, negro o blanco, estás bien, todos sangramos de rojo, porque el lema de Jamaica es 'De muchos un solo pueblo'".

Clive y Cindy Campbell nacieron y crecieron en la capital de Jamaica, Kingston; Desde una edad temprana, estuvieron expuestos a la cultura sound system de la isla, una importante plataforma de entretenimiento en las comunidades económicamente deprimidas de Jamaica. Los sistemas de sonido (discotecas móviles) aparecieron por primera vez en Kingston a finales de la década de 1940 y proliferaron a lo largo de las décadas de 1950 y 1960, inicialmente reproduciendo discos de R&B estadounidenses. Sin embargo, la necesidad de los sistemas de sonido de música exclusiva aceleró la naciente industria discográfica de Jamaica, lo que condujo al posterior nacimiento del ska, el rocksteady, el reggae y el dancehall.

Cada sonido empleaba un selector, que tocaba los discos, y un maestro de ceremonias o "deejay" en el lenguaje jamaicano, que rimaba o "brindaba" por los segmentos instrumentales de los discos. Los primeros tostadores, como Count Matchuki y King Stitt, fusionaron su dialecto jamaicano con la imitación de los locutores de radio que escuchaban en estaciones con sede en el sur de Estados Unidos que se transmitían a la isla.

Clive y Cindy observaron a los sonidistas más populares de la época, incluidos Clement "Sir Coxsone" Dodd (Downbeat the Ruler), Duke Reid (Trojan) y el más influyente para Herc, George Edwards, también conocido como King George del sonido King Edwards, mientras configuraban sus respectivos equipos por la tarde antes de los bailes de la noche. "King George, así es como se desarrolló mi oído, al escucharlo", dice Herc.

Los bailes atrajeron a grandes multitudes y generaron ingresos no sólo para los sistemas de sonido y los promotores de las sesiones, sino también para los vendedores de comida y bebida, incluso sastres y modistas porque muchos clientes compraron ropa nueva para lucir lo mejor posible.

"Mi padre tenía muchas inclinaciones musicales, tenía lo último en música, iba a fiestas y uno de sus buenos amigos, el Sr. Jim, era hermano de Coxsone Dodd", dice Cindy. "Éramos demasiado jóvenes para participar, pero nuestros padres y familiares hablaron sobre la experiencia. Los bailes se llevaron a cabo afuera, así que vimos cómo los jamaicanos presentaban y promocionaban sus bailes, y qué se debía hacer para tener una fiesta exitosa. Esas cosas "Tuvo una tremenda influencia en cómo hacíamos nuestras fiestas en el Bronx".

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Los Campbell emigraron al Bronx (Nueva York) durante la década de 1960, y su reubicación fue dirigida por la madre de Clive y Cindy, Nettie, mientras ella cursaba sus estudios de enfermería. Clive llegó al Bronx en 1967. Con la ayuda de su padre, Herc instaló su propio sistema de sonido, The Herculoids, cuyo sonido potente y retumbante replica lo que escuchó en su juventud en Kingston con una diferencia significativa. "Muchos jamaicanos enfatizan los graves para sacudir la cintura. A mí me gustan los graves, pero me gusta descomponer el sistema porque tienes agudos, tienes medios y graves, así que lo desglosé".

Herc tocaba principalmente funk y soul, así como algún que otro disco de rock. "Toqué música, una para los mayores y otra para los jóvenes. Yo lo llamo estilo de gente adulta", explica Herc. "Si puedo bailarlo, lo tocaré".

Su técnica de tiovivo transformó las pausas en una variedad de sencillos, desde "Apache" de Incredible Bongo Band hasta "Scorpio" de Dennis Coffee, "Give It Up Turn It Loose" de James Brown y "Right Place" de Dr. John. Wrong Time" en temas de percusión hipnóticos y prolongados. El padre de Herc le dijo que eliminara las etiquetas de sus discos para proteger su identidad de los DJ rivales, una práctica utilizada por los selectores del sistema de sonido de Kingston para superar a sus oponentes en los choques de sonido.

A finales de 1973, la sala de recreación no podía acomodar el tamaño de la multitud que asistía a las fiestas de Herc, por lo que él y Coke La Rock trasladaron sus sesiones a parques y clubes de todo el Bronx. Los rápidos gritos de Coke La Rock se convirtieron en rimas que se transformaron en letras, incluyendo "hotel, motel, no lo digas, no lo diremos", que fue interpolado por Big Bank Hank de Sugar Hill Gang en el primer disco exitoso del rap. "El deleite de rapero." El influyente modelo que estableció La Rock es un trasplante estadounidense de mediados de la década de 1970 de la práctica de los DJ jamaicanos de hablar sobre los discos.

Respeto por las raíces jamaicanas de la cultura

Algunos fanáticos del hip-hop desde hace mucho tiempo, blogueros e incluso historiadores han minimizado el sistema de sonido jamaicano como base para el desarrollo de la cultura. Incluso en Jamaica, donde el hip-hop es ampliamente escuchado, muchos desconocen los ancestros del movimiento. "Nos damos cuenta de que los jamaiquinos nunca han comprendido realmente lo que ha hecho el hip-hop, en relación con el hecho de que nosotros venimos de la isla de Jamaica", dice Cindy.

Posiblemente el único evento hip-hop 50 que explora las complejidades de la conexión sound system/hip-hop sea Faawud: Celebración oficial del 50.° hip-hop de Jamaican Sound System Culture, que se llevará a cabo en una fecha posterior. Faawud incluirá una competencia de tocadiscos, una batalla amistosa entre un maestro de ceremonias de rap y una tostadora jamaicana y una exhibición de componentes de audio y parafernalia de los primeros días del hip-hop y el reggae, con los DJ King Addies, Revolution Sound y DJ Myte tocando temas clásicos. Representando ambos géneros.

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Un panel que explorará las raíces del sistema de sonido del hip-hop incluirá a Herc, Grandmaster Kaz (maestro de ceremonias/líder del grupo pionero de hip-hop Cold Crush Brothers) que asistió a la legendaria sesión de regreso a clases de Cindy y Herc, y Danny Dread, el venerable selector titular. con King Addies, que celebran su 40 aniversario. Danny y Herc tocarán cada uno en sets de 15 minutos y a la medianoche del 11 de agosto, Herc marcará el comienzo del cumpleaños oficial del hip-hop.

Cindy Campbell, Kool Herc y Coke LaRock recibirán premios, al igual que sus homólogos jamaicanos Danny Dread y el veterano tostador Big Youth, uno de los primeros DJ que logró grabar discos a principios de los años 1970.

"Los artistas jamaicanos y caribeños han tenido un impacto increíble en el nacimiento y crecimiento del hip-hop y su influencia ha sido ignorada durante demasiado tiempo", comenta James Cuthbert, presidente de Rock The Bells, uno de los socios presentadores de Faawud. "En este quincuagésimo aniversario del hip-hop, si vamos a honrar la cultura y los íconos que la crearon, tenemos que hacerlo bien".

En 2021, una resolución del Congreso declaró oficialmente el 1520 de Sedgwick Avenue como el lugar de nacimiento del hip-hop, tras una batalla contra los propietarios que querían cerrar la vivienda histórica. En un esfuerzo por salvar el edificio, Herc y Cindy trabajaron con el senador de Nueva York Chuck Schumer, quien se maravilló de sus logros como inmigrantes en la ciudad de Nueva York.

"El senador Schumer dijo: 'Dios mío, esta es una historia de inmigrantes'", dice Cindy. "El hip-hop nació en Estados Unidos, pero es una historia fantástica de inmigrantes. La gente no se da cuenta de que dos inmigrantes de Jamaica hicieron esto. ¿Por qué? Porque pasamos desapercibidos. No demandamos a nadie ni nos subimos al tren diciendo "Hicimos esto o aquello. No era necesario; los 50 años hablan por sí solos".

19 conciertos y eventos que celebran el 50 aniversario del hip-hop

Foto: Kimberly White/Getty Images para Hennessy

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Innumerables documentales han seguido los viajes de los artistas de hip-hop y han analizado el impacto de la cultura hip-hop. Para celebrar el 50 aniversario del género, publica documentos que arrojan luz sobre algunos de los nombres y eventos más importantes de la historia del hip-hop.

Dado su impacto social y cultural en nuestras vidas, es difícil creer que el hip-hop esté celebrando apenas su 50 aniversario este año. Desde sus inicios en una fiesta en el Bronx, la cultura del hip-hop floreció y se ha extendido a todos los rincones del planeta.

Los cineastas han estado conmemorando el hip-hop (desde sus MC y DJ hasta b-boys y chicas e íconos de la moda) en todo su esplendor durante décadas. Infinidad de documentales siguen las vidas, viajes, éxitos y caídas de artistas de hip-hop de todo Estados Unidos y más allá. Mientras celebramos el cumpleaños del hip-hop en agosto, aquí hay cinco documentales de hip-hop esenciales para reflexionar sobre la magnitud de 50 años de cultura innovadora.

También considerada la primera película de hip-hop, Wild Style está tan cerca de la verdad que es más bien un documental. Ofreciendo un vistazo a la Nueva York de 1981, está protagonizada por grafiteros, músicos, raperos y bailarines de la vida real, retratando el hip-hop como un fenómeno cultural junto con géneros como el punk y la nueva ola.

Con algunos nombres icónicos como Fab Five Freddy, Lady Pink, Rock Steady Crew y Cold Crush Brothers, la vaga trama de la película no importa. En cambio, Wild Style captura la esencia y el valor de la ciudad de Nueva York cuando el hip-hop estaba al borde del precipicio. Es una parte del canon enormemente influyente e inspiradora y un documento histórico crucial.

Esta serie documental de cuatro partes ofrece una visión general de cómo funciona el hip-hop y, como su nombre indica, traza su evolución desde su aparición hasta el reconocimiento global. Al hacer la película, el MC Shad Kabango tenía la intención de explorar cómo el hip-hop se hizo un nombre en la industria de la música. A través de los recuerdos de estrellas como el propio DJ Kool Herc, Sugarhill Gang, Russell Simmons y Public Enemy, descubre que el verdadero legado del hip-hop es cómo permitió que aquellos sin voz expresaran su opinión.

Ahora, cuatro temporadas después, esta serie cubre cada década, estilo y rincón del hip-hop estadounidense, destacando las contribuciones de mujeres como Queen Latifah y Monie Love. Esta serie, ganadora de múltiples premios, que traza eventos clave desde la primera fiesta de barrio de Kool Herc hasta principios de la década de 2020, es el lugar perfecto para comenzar si desea una descripción general del desarrollo del hip-hop desde la perspectiva de las personas que han liderado el camino.

Este documental de 2014 analiza los eventos que llevaron al álbum debut de Nas, ILLmatic, en 1994. A través de entrevistas con su padre, su hermano y leyendas del hip-hop de la costa este como Pharrell, Alicia Keys y Busta Rhymes, no sólo profundiza en el proceso de realización del álbum, sino en el contexto social en el que lo realizó.

El artista dijo que hizo ILLMatic con la intención de mostrarle a la gente que el hip-hop estaba cambiando y convirtiéndose en algo más real. "Traté de capturarlo como nadie más podía", dice.

Los productores del documental vinieron a hacer la película desde una perspectiva similar. El coproductor Erik Parker estaba escribiendo para la revista Vibe en el momento del décimo aniversario del álbum y se dio cuenta de que no podía incluir todo lo que quería decir al respecto en un artículo escrito. Se puso en contacto con One9 y juntos decidieron hacer esta película.

Juntos, terminaron profundizando mucho más en la cultura y quisieron reflejar la sensación de las calles que infunde el álbum en sí. El resultado es un documental atemporal y absorbente que captura la verdadera esencia de la escena hip-hop.

Las mujeres a menudo quedan fuera de la conversación en torno al hip-hop, a pesar de sus grandes éxitos y sus importantes contribuciones al género. Este documental de la reconocida cineasta Ava DuVernay busca corregir esto centrándose en las carreras de leyendas como Missy Elliot, Salt-N-Pepa, Eve y MC Lyte.

A través de entrevistas con estos artistas y más, My Mic Sounds Nice ofrece un ángulo único y revelador del discurso sobre los problemas que enfrentan las mujeres en la industria, desde la cosificación sexual hasta los salarios más bajos. Con comentarios de quienes han dominado el mundo del rap y el hip-hop durante décadas pero que a menudo no han recibido los mismos elogios que sus homólogos masculinos, My Mic Sounds Nice es una película que hay que ver.

Centrándose en un sello más que en el artista, The Art of Organized Noize explora a los productores pioneros detrás del sonido Dirty South. Los productores organizados de Noize, Rico Wade, Ray Murray y Sleepy Brown, detallan cómo Atlanta dio forma al mundo del hip-hop.

El sello discográfico Organized Noize fue responsable de apoyar las carreras de Diddy, Outkast y LA Reid, entre otros, lo que hizo desde los confines de una mazmorra. En una habitación del sótano, la familia Dungeon (OutKast, Goodie Mob, Organised Noize y un grupo de artistas locales) se escondieron, fumando marihuana y creando música que definiría la región y el hip-hop popular.

La organización Noize construyó un extraordinario sentido de comunidad y camaradería, que se manifiesta en entrevistas con algunos de sus famosos miembros, así como con admiradores de más lejos.

Aunque históricamente han sido excluidos de las conversaciones sobre el género, "los latinos han sido una parte inherente del hip-hop desde sus inicios", dijo en un comunicado Rocio Guerrero, directora de Latino Global de Amazon Music. x Siempre detalla las contribuciones de los artistas latinos a lo largo de los 50 años de trayectoria de la cultura.

Amazon Original incluye entrevistas con Fat Joe, B-Real de Cypress Hill, NORE y Residente, y artistas prometedores como Eladio Carrión, Villano Antillano, Myke Towers y Snow Tha Product.

"Los artistas latinos se inspiran en los ritmos y las letras del hip hop, infundiéndoles ritmos latinos tradicionales para hacer nuestro el género y, en última instancia, contribuyendo a su alcance y relevancia global", continuó Guerrero, y agregó que el documental honra "esta historia compartida y su impacto". sobre nuestra cultura destacando las voces diversas e intergeneracionales que forman parte del movimiento".

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Fotos: Martin Philbey/WireImage, Michael Loccisano/Getty Images para Coachella, Rodin Eckenroth/Getty Images, Marcus Ingram/Getty Images, Kayla Oaddams/Getty Images, Scott Dudelson/Getty Images

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Las mujeres son pioneras en el futuro del hip-hop y sus estilos nunca han sido más pronunciados. Para celebrar el 50 aniversario del hip-hop, escuche a 14 artistas femeninas en ascenso a las que debería estar atento en 2023 y más allá.

El hip-hop ha sido durante mucho tiempo un espacio dominado por los hombres, a pesar del éxito y la influencia indiscutible de los talentos generacionales femeninos. Desde el principio, las mujeres han superado los guardianes y las expectativas, empezando por MC Sha-Rock, pasando por Salt-N-Pepa, Lauryn Hill, Missy Elliot y, más recientemente, Gangsta Boo, Nicki Minaj, City Girls y Noname han superado los guardianes y Expectativas. Actos contemporáneos como GloRilla continúan sus esfuerzos y llegan a un grupo demográfico al que nunca se había comercializado excesivamente en el hip-hop: mujeres que quieren escuchar música rap de mujeres.

Poco a poco, el rap se está convirtiendo en un espacio más inclusivo, con una audiencia que finalmente está dispuesta a crear un espacio para la diversidad y la positividad sexual para todos los géneros, y abierto a una infinidad de subgéneros, con raperas a la cabeza. En 2021, Cardi B se convirtió en la primera rapera en adquirir un sencillo con certificación diamante. Cualquier club en Estados Unidos que no juegue contra Meg Thee Stallion debería considerarse una rareza. Ice Spice es la primera rapera que irrumpe en la cultura dominante.

Se ha preparado el escenario para una nueva generación de artistas, en gran parte gracias al amplio alcance sin género de las plataformas de redes sociales. Hoy en día, los conceptos erróneos que ocultan la determinación de Gangsta Boo, la sensualidad explícita de Lil' Kim y la experiencia lírica y política de Noname están comenzando a disolverse. El techo de cristal se ha roto, dando lugar a un aumento exponencial en el número de artistas femeninas: excursionistas, charlatanes, narradoras de historias y raperas con carga sexual.

Las mujeres son pioneras en el futuro del hip-hop y sus estilos nunca han sido más pronunciados. GRAMMY.com ofrece una lista de 14 artistas femeninas en ascenso a las que debes estar atento en 2023 y más allá.

Lo más probable es que hayas escuchado "Pound Town". Si no lo has hecho, quédate tranquilo durante los próximos minutos mientras la rapera de St. Louis no escatima en detalles de sus hazañas sexuales.

Al igual que Lil' Kim, Sexyy Red no sólo es sexualmente positiva, sino también infame: "Mi coño rosa, mi culo marrón, acabo de salir de Pound Town", declara. Sexyy Red también fomenta el empoderamiento y eleva la autoestima de las mujeres. En "Hellcat SRTs", proclama a sus compatriotas: "Perras malas, nos gustan los autos rápidos. Nos gustan los negros que venden drogas con autos rápidos".

Hablando en serio, Sexyy Red es audaz, segura de sí misma y la próxima rapera más popular de St. Louis. Mantén los ojos bien abiertos y escucha Hood Hottest Princess de principios de este año cuando necesites promocionarte.

Babyxsosa, ex miembro de SURF GANG, fue una de las primeras raperas virales en aparecer en TikTok durante la pandemia, pero su historia va mucho más allá de los tonos brillantes y los tambores extrañamente esporádicos de "Everywhereigo". Su voz delicada y autoafinada y sus exuberantes paisajes sonoros la convierten en la versión de Internet de una cantante de soul. Es cálida e íntima y utiliza letras sencillas para cantar a través de sentimientos de deseo y desesperación.

Sin embargo, en el fondo, Babyxsosa es la Billie Eillish del hip-hop underground cruzada con PinkPantheress. Los ritmos mutan con el sonido de su voz. Mientras que sus sencillos de los últimos cuatro años han variado desde sintetizadores cacofónicos y plomosos hasta música de ascensor con 808, su reciente EP, Bling Bling, demuestra una versatilidad melódica y misteriosa, colocando versos apagados a ritmos de club, utilizando una variedad de diferentes estilos experimentales. instrumentales digicore para desafiarse a sí misma como vocalista y compositora.

Hook no se puede comparar con ningún sonido del hip-hop. Algunos de sus ritmos suenan como minijuegos de 8 bits, otros están hechos de acordes de sintetizador oscilantes únicos; En general, su producción tiene un latido que aparece y desaparece y se repite, dando a cada canción su propia vida y agitación a partir de entonces.

La rapera criada en Riverside, California, hierve en sus versos, divagando sobre la frustración, la alegría, la decepción, la confusión, la ira, el disgusto, la tristeza y todas las emociones intermedias. Aún así, Hook y su enfoque vanguardista del rap son erráticos, hilarantes y líricamente distintos en todos los sentidos.

Armani Caesar es la primera y única rapera de Griselda Records, que ha presentado a Boldy James, Mach-Hommy, Westside Gunn, Conway the Machine, Benny the Butcher y más. Al igual que los tres últimos, Armani Caesar es oriundo de Buffalo, Nueva York, y ofrece historias crudas y detalladas de las calles, pero con un poco más de ritmo que un disco polvoriento del 45.

Incorpora ritmos pop y busca más hacia la era disco y la tecnología moderna una cadencia que es un poco más rápida que soul. El ritmo de Armani Caeser es contagioso, pero sus letras son venenosas. Mire la portada de su sencillo, "Diana", portada, ella es Lil' Kim a la que habían trabajado en Buffalo.

Aunque Little Simz no es necesariamente una artista en ascenso, su éxito ha sido exponencial desde el lanzamiento de A veces I Might Be Introvert de 2021. El rapero británico convertido en grime amorfo es técnicamente impecable y líricamente impresionante. Sobre un ritmo orquestal al estilo de una fiesta en el jardín, puede pronunciar un poema escrito para su propio empoderamiento, pero también puede rapear un verso de 16 compases con una banda en vivo casi sin aliento.

Es enérgica y enérgica, sentimental y rotundamente altruista. En Little Simz arde un fuego y la chispa se aviva con cada golpe del tambor.

Mientras que el hip-hop ha comenzado a hacer una transición hacia dos extremos (heavy metal por un lado y ritmos sin batería por el otro), Amaarae presenta una alternativa oculta. El vocalista ghanés marca el comienzo de una nueva concepción del hip-hop, aportando una influencia afro pop que recuerda al álbum debut de Doja Cat, Hot Pink.

Amaarae produce su propio trabajo, combinando instrumentación y polirritmos tradicionales de Ghana con un círculo de tambores creado digitalmente. Mientras la música suena al doble de ritmo, la voz de Amaarae se acelera hacia arriba y hacia abajo, oscilando entre rapear y cantar. Ella lo hace todo, y tras el éxito viral de "SAD GIRLZ LUV MONEY" y su remix con Kali Uchis, Amaarae lanzó un nuevo EP en julio, Fountain Baby, anotando el calor abrasador del verano.

Al crear un collage electrónico de house, club, drum n bass, ritmos afro y breaks de batería en vivo, Tkay Maidza supera el término "multifase". Ya sea que esté colaborando con JPEGMAFIA o Flume, Tkay crea mundos distópicos en sus paisajes sonoros, cortados con líneas de bajo chirriantes y trampas con fallas. Su música es neo-R&B, como ella considera adecuada, y conmovedoramente pide a Kari Faux que le dé más articulación en "Don't Call Again"; es rap furioso en la pista industrial, "Grasshopper"; incluso es un derivado del EDM en su último sencillo, titulado tímidamente, "Silent Assassin".

Flo Milli es la artista joven y despreocupada dentro de esta nueva generación de talentos. Su voz es contralto y sus letras son lo suficientemente engreídas como para irradiar excelencia y, al mismo tiempo, ofrecer algunos de los remixes más inteligentes del hip-hop para los oyentes de la Generación Z.

Ya sea que esté rapeando al ritmo de Ethereal en "Beef" de Playboi Carti o en "Blow the Whistle" de Too $hort, las rimas emancipadoras de Flo infunden confianza y destreza sexual a sus oyentes. En "Roaring 20s", asume juguetonamente el papel de Daisy de El gran Gatsby, fascinada por la producción inspirada en el ragtime y los hombres que darían cualquier cosa por pasar unos minutos con ella. Esa es la magia de Flo Milli: está animada y salta con fluidez a cualquier estilo y estética que considere dignos de su exposición.

En sus muchas vidas, CLIP se graduó en la Universidad de Nueva York, tuvo una floreciente carrera en periodismo y terminó en Los Ángeles entre la próxima generación de artistas de Soundcloud. Su música es un crisol de estas culturas e influencias. En su reciente EP PERCEPTION, incluye ritmos inspirados en drum n bass en canciones como "Happy"; su exitoso sencillo, "SAD B!TCH", roza el rap en la nube con su mezcla etérea; su reciente sencillo, "sunset blvd", incorpora los cantos del rap emo. CLIP ya se ha convertido en una estrella en ascenso sin haber lanzado un solo proyecto de larga duración.

Su voz es suave y melódica como la de Babyxsosa y su producción coincide con la suave psicodelia del uso del filtro por parte de Hook. CLIP incorpora la inquietud downtempo de las cintas cortadas y atornilladas de Houston, ahogando su propia fanfarronería a través de paisajes sonoros codificados en Internet.

Originaria de Winston-Salem, Carolina del Norte, TiaCorine tiene la arrogancia de una Gangsta Boo, coloreando sus letras con fanfarronería y un fraseo elegante y entrecortado. Su instrumentación es ondulada y pomposa, con 808 deformados y el brillo brillante de xilófonos y sintetizadores agudos.

TiaCorine se destaca por la forma en que combina su cadencia sureña con ritmos inconexos y chicle, charles de caja de ritmos y patadas estilo club de Jersey. Ella es errática pero dulce; ella es cursi como pluggNB pero arrogante como JT y Yung Miami.

En comparación con Hook, CLIP o Babyxsosa, Vayda sería el hijo pródigo de la próxima generación de consumidores de medios digitales, que aspiraría a un derivado aún más estimulante del hip-hop industrial: el hiperrap. Vayda crea hip-hop absolutamente sin género, saltando del club de Jersey a ritmos basados ​​en muestras para capturar charles en pistas cortas y digeribles que generalmente duran menos de 90 segundos. Su música es dinámica y viene en oleadas de atención enfocada, grabadas con patadas de bombo esporádicas similares a las de Evilgiane en SURF GANG y los patrones de muestra de taladro 808 hiper enfocados de Cash Cobain.

A Vayda no le preocupa el regionalismo ni tener un sonido atribuible a un lugar determinado. Sus ritmos brillan y brillan, corren como cuerpos hacia el DJ en un club, y Vayda está a la vanguardia, liderando la nueva escuela.

Al igual que la leyenda sureña Young Thug, que retuerce la lengua, las inflexiones vocales de Doechii se retuercen y contorsionan, exprimiendo versos sonoros y líricamente emotivos. Porque la entonación sofocante del artista nacido en Tampa se retuerce en tu oído en temas como "Stressed" y evoca genuinamente la emoción.

Junto a sus compañeros de agencia Isaiah Rashad y SZA en TDE, Doechii extiende sus sílabas para crear ganchos en zigzag contra todo, desde la batería a doble ritmo en "Crazy" hasta el dancehall en "Persuasive".

Bktherula es la respuesta del hip-hop al grunge y al punk rock. Su estética varía desde trenzas de colores neón hasta camisetas con calaveras, cada una en un tono de negro ligeramente diferente. La rapera de Atlanta hace referencia a los gritos y susurros anhelantes del punk en sus propias melodías en canciones como "Tweakin' Together" y "FOREVER, PT. 2 (JEZEBEL)".

Sin embargo, en temas como "TAN", la música de Bktherula coincide con la agresión del punk, utilizando sintetizadores gorjeantes y una caja con sonido arcade y mucho drive. Bktherula se flexiona, mostrando no sólo técnica sino burlándose preventivamente de cualquiera que tenga la audacia de menospreciarla.

Por último, pero no menos importante, está el rapero del que más se habla en Estados Unidos desde Pop Smoke (RIP). Originaria del Bronx, Ice Spice se hizo popular después de acuñar el término "munch", en referencia a los hombres desinteresados ​​y sexualmente complacientes. Su atractivo sexual, su evangelio del empoderamiento femenino y su espíritu libre creativo habilitado por las muestras de Bob Esponja y los giros de Zedd, colocan a Ice Spice como la reina de la viralidad en 2023.

¿Cómo está ejerciendo su estrellato? Con ritmos ahora refinados, colaboraciones melódicas con la sensación británica PinkPantheress y trabajo con algunas de las mujeres más influyentes del hip-hop de Nueva York, incluida su ídolo convertida en compañera, Nicki Minaj.

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