Los Grammy

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Las mujeres son pioneras en el futuro del hip-hop y sus estilos nunca han sido más pronunciados. Para celebrar el 50 aniversario del hip-hop, escuche a 14 artistas femeninas en ascenso a las que debería estar atento en 2023 y más allá.

El hip-hop ha sido durante mucho tiempo un espacio dominado por los hombres, a pesar del éxito y la influencia indiscutible de los talentos generacionales femeninos. Desde el principio, las mujeres han superado los guardianes y las expectativas, empezando por MC Sha-Rock, pasando por Salt-N-Pepa, Lauryn Hill, Missy Elliot y, más recientemente, Gangsta Boo, Nicki Minaj, City Girls y Noname han superado los guardianes y Expectativas. Actos contemporáneos como GloRilla continúan sus esfuerzos y llegan a un grupo demográfico al que nunca se había comercializado excesivamente en el hip-hop: mujeres que quieren escuchar música rap de mujeres.

Poco a poco, el rap se está convirtiendo en un espacio más inclusivo, con una audiencia que finalmente está dispuesta a crear un espacio para la diversidad y la positividad sexual para todos los géneros, y abierto a una infinidad de subgéneros, con raperas a la cabeza. En 2021, Cardi B se convirtió en la primera rapera en adquirir un sencillo con certificación diamante. Cualquier club en Estados Unidos que no juegue contra Meg Thee Stallion debería considerarse una rareza. Ice Spice es la primera rapera que irrumpe en la cultura dominante.

Se ha preparado el escenario para una nueva generación de artistas, en gran parte gracias al amplio alcance sin género de las plataformas de redes sociales. Hoy en día, los conceptos erróneos que ocultan la determinación de Gangsta Boo, la sensualidad explícita de Lil' Kim y la experiencia lírica y política de Noname están comenzando a disolverse. El techo de cristal se ha roto, dando lugar a un aumento exponencial en el número de artistas femeninas: excursionistas, charlatanes, narradoras de historias y raperas con carga sexual.

Las mujeres son pioneras en el futuro del hip-hop y sus estilos nunca han sido más pronunciados. GRAMMY.com ofrece una lista de 14 artistas femeninas en ascenso a las que debes estar atento en 2023 y más allá.

Lo más probable es que hayas escuchado "Pound Town". Si no lo has hecho, quédate tranquilo durante los próximos minutos mientras la rapera de St. Louis no escatima en detalles de sus hazañas sexuales.

Al igual que Lil' Kim, Sexyy Red no sólo es sexualmente positiva, sino también infame: "Mi coño rosa, mi culo marrón, acabo de salir de Pound Town", declara. Sexyy Red también fomenta el empoderamiento y eleva la autoestima de las mujeres. En "Hellcat SRTs", proclama a sus compatriotas: "Perras malas, nos gustan los autos rápidos. Nos gustan los negros que venden drogas con autos rápidos".

Hablando en serio, Sexyy Red es audaz, segura de sí misma y la próxima rapera más popular de St. Louis. Mantén los ojos bien abiertos y escucha Hood Hottest Princess de principios de este año cuando necesites promocionarte.

Babyxsosa, ex miembro de SURF GANG, fue una de las primeras raperas virales en aparecer en TikTok durante la pandemia, pero su historia va mucho más allá de los tonos brillantes y los tambores extrañamente esporádicos de "Everywhereigo". Su voz delicada y autoafinada y sus exuberantes paisajes sonoros la convierten en la versión de Internet de una cantante de soul. Es cálida e íntima y utiliza letras sencillas para cantar a través de sentimientos de deseo y desesperación.

Sin embargo, en el fondo, Babyxsosa es la Billie Eillish del hip-hop underground cruzada con PinkPantheress. Los ritmos mutan con el sonido de su voz. Mientras que sus sencillos de los últimos cuatro años han variado desde sintetizadores cacofónicos y plomosos hasta música de ascensor con 808, su reciente EP, Bling Bling, demuestra una versatilidad melódica y misteriosa, colocando versos apagados a ritmos de club, utilizando una variedad de diferentes estilos experimentales. instrumentales digicore para desafiarse a sí misma como vocalista y compositora.

Hook no se puede comparar con ningún sonido del hip-hop. Algunos de sus ritmos suenan como minijuegos de 8 bits, otros están hechos de acordes de sintetizador oscilantes únicos; En general, su producción tiene un latido que aparece y desaparece y se repite, dando a cada canción su propia vida y agitación a partir de entonces.

La rapera criada en Riverside, California, hierve en sus versos, divagando sobre la frustración, la alegría, la decepción, la confusión, la ira, el disgusto, la tristeza y todas las emociones intermedias. Aún así, Hook y su enfoque vanguardista del rap son erráticos, hilarantes y líricamente distintos en todos los sentidos.

Armani Caesar es la primera y única rapera de Griselda Records, que ha presentado a Boldy James, Mach-Hommy, Westside Gunn, Conway the Machine, Benny the Butcher y más. Al igual que los tres últimos, Armani Caesar es oriundo de Buffalo, Nueva York, y ofrece historias crudas y detalladas de las calles, pero con un poco más de ritmo que un disco polvoriento del 45.

Incorpora ritmos pop y busca más hacia la era disco y la tecnología moderna una cadencia que es un poco más rápida que soul. El ritmo de Armani Caeser es contagioso, pero sus letras son venenosas. Mire la portada de su sencillo, "Diana", portada, ella es Lil' Kim a la que habían trabajado en Buffalo.

Aunque Little Simz no es necesariamente una artista en ascenso, su éxito ha sido exponencial desde el lanzamiento de A veces I Might Be Introvert de 2021. El rapero británico convertido en grime amorfo es técnicamente impecable y líricamente impresionante. Sobre un ritmo orquestal al estilo de una fiesta en el jardín, puede pronunciar un poema escrito para su propio empoderamiento, pero también puede rapear un verso de 16 compases con una banda en vivo casi sin aliento.

Es enérgica y enérgica, sentimental y rotundamente altruista. En Little Simz arde un fuego y la chispa se aviva con cada golpe del tambor.

Mientras que el hip-hop ha comenzado a hacer una transición hacia dos extremos (heavy metal por un lado y ritmos sin batería por el otro), Amaarae presenta una alternativa oculta. El vocalista ghanés marca el comienzo de una nueva concepción del hip-hop, aportando una influencia afro pop que recuerda al álbum debut de Doja Cat, Hot Pink.

Amaarae produce su propio trabajo, combinando instrumentación y polirritmos tradicionales de Ghana con un círculo de tambores creado digitalmente. Mientras la música suena al doble de ritmo, la voz de Amaarae se acelera hacia arriba y hacia abajo, oscilando entre rapear y cantar. Ella lo hace todo, y tras el éxito viral de "SAD GIRLZ LUV MONEY" y su remix con Kali Uchis, Amaarae lanzó un nuevo EP en julio, Fountain Baby, anotando el calor abrasador del verano.

Al crear un collage electrónico de house, club, drum n bass, ritmos afro y breaks de batería en vivo, Tkay Maidza supera el término "multifase". Ya sea que esté colaborando con JPEGMAFIA o Flume, Tkay crea mundos distópicos en sus paisajes sonoros, cortados con líneas de bajo chirriantes y trampas con fallas. Su música es neo-R&B, como ella considera adecuada, y conmovedoramente pide a Kari Faux que le dé más articulación en "Don't Call Again"; es rap furioso en la pista industrial, "Grasshopper"; incluso es un derivado del EDM en su último sencillo, titulado tímidamente, "Silent Assassin".

Flo Milli es la artista joven y despreocupada dentro de esta nueva generación de talentos. Su voz es contralto y sus letras son lo suficientemente engreídas como para irradiar excelencia y, al mismo tiempo, ofrecer algunos de los remixes más inteligentes del hip-hop para los oyentes de la Generación Z.

Ya sea que esté rapeando al ritmo de Ethereal en "Beef" de Playboi Carti o en "Blow the Whistle" de Too $hort, las rimas emancipadoras de Flo infunden confianza y destreza sexual a sus oyentes. En "Roaring 20s", asume juguetonamente el papel de Daisy de El gran Gatsby, fascinada por la producción inspirada en el ragtime y los hombres que darían cualquier cosa por pasar unos minutos con ella. Esa es la magia de Flo Milli: está animada y salta con fluidez a cualquier estilo y estética que considere dignos de su exposición.

En sus muchas vidas, CLIP se graduó en la Universidad de Nueva York, tuvo una floreciente carrera en periodismo y terminó en Los Ángeles entre la próxima generación de artistas de Soundcloud. Su música es un crisol de estas culturas e influencias. En su reciente EP PERCEPTION, incluye ritmos inspirados en drum n bass en canciones como "Happy"; su exitoso sencillo, "SAD B!TCH", roza el rap en la nube con su mezcla etérea; su reciente sencillo, "sunset blvd", incorpora los cantos del rap emo. CLIP ya se ha convertido en una estrella en ascenso sin haber lanzado un solo proyecto de larga duración.

Su voz es suave y melódica como la de Babyxsosa y su producción coincide con la suave psicodelia del uso del filtro por parte de Hook. CLIP incorpora la inquietud downtempo de las cintas cortadas y atornilladas de Houston, ahogando su propia fanfarronería a través de paisajes sonoros codificados en Internet.

Originaria de Winston-Salem, Carolina del Norte, TiaCorine tiene la arrogancia de una Gangsta Boo, coloreando sus letras con fanfarronería y un fraseo elegante y entrecortado. Su instrumentación es ondulada y pomposa, con 808 deformados y el brillo brillante de xilófonos y sintetizadores agudos.

TiaCorine se destaca por la forma en que combina su cadencia sureña con ritmos inconexos y chicle, charles de caja de ritmos y patadas estilo club de Jersey. Ella es errática pero dulce; ella es cursi como pluggNB pero arrogante como JT y Yung Miami.

En comparación con Hook, CLIP o Babyxsosa, Vayda sería el hijo pródigo de la próxima generación de consumidores de medios digitales, que aspiraría a un derivado aún más estimulante del hip-hop industrial: el hiperrap. Vayda crea hip-hop absolutamente sin género, saltando del club de Jersey a ritmos basados ​​en muestras para capturar charles en pistas cortas y digeribles que generalmente duran menos de 90 segundos. Su música es dinámica y viene en oleadas de atención enfocada, grabadas con patadas de bombo esporádicas similares a las de Evilgiane en SURF GANG y los patrones de muestra de taladro 808 hiper enfocados de Cash Cobain.

A Vayda no le preocupa el regionalismo ni tener un sonido atribuible a un lugar determinado. Sus ritmos brillan y brillan, corren como cuerpos hacia el DJ en un club, y Vayda está a la vanguardia, liderando la nueva escuela.

Al igual que la leyenda sureña Young Thug, que retuerce la lengua, las inflexiones vocales de Doechii se retuercen y contorsionan, exprimiendo versos sonoros y líricamente emotivos. Porque la entonación sofocante del artista nacido en Tampa se retuerce en tu oído en temas como "Stressed" y evoca genuinamente la emoción.

Junto a sus compañeros de agencia Isaiah Rashad y SZA en TDE, Doechii extiende sus sílabas para crear ganchos en zigzag contra todo, desde la batería a doble ritmo en "Crazy" hasta el dancehall en "Persuasive".

Bktherula es la respuesta del hip-hop al grunge y al punk rock. Su estética varía desde trenzas de colores neón hasta camisetas con calaveras, cada una en un tono de negro ligeramente diferente. La rapera de Atlanta hace referencia a los gritos y susurros anhelantes del punk en sus propias melodías en canciones como "Tweakin' Together" y "FOREVER, PT. 2 (JEZEBEL)".

Sin embargo, en temas como "TAN", la música de Bktherula coincide con la agresión del punk, utilizando sintetizadores gorjeantes y una caja con sonido arcade y mucho drive. Bktherula se flexiona, mostrando no sólo técnica sino burlándose preventivamente de cualquiera que tenga la audacia de menospreciarla.

Por último, pero no menos importante, está el rapero del que más se habla en Estados Unidos desde Pop Smoke (RIP). Originaria del Bronx, Ice Spice se hizo popular después de acuñar el término "munch", en referencia a los hombres desinteresados ​​y sexualmente complacientes. Su atractivo sexual, su evangelio del empoderamiento femenino y su espíritu libre creativo habilitado por las muestras de Bob Esponja y los giros de Zedd, colocan a Ice Spice como la reina de la viralidad en 2023.

¿Cómo está ejerciendo su estrellato? Con ritmos ahora refinados, colaboraciones melódicas con la sensación británica PinkPantheress y trabajo con algunas de las mujeres más influyentes del hip-hop de Nueva York, incluida su ídolo convertida en compañera, Nicki Minaj.

Las damas primero: 10 álbumes esenciales de raperas

Foto: Andersen Ross Photography Inc.

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El uso de samples ha influido en artistas y DJ durante décadas. También ha sido motivo de demandas e ira: sigue leyendo para conocer 10 de las mayores controversias sobre samples en el hip-hop, desde 2 Live Crew y la pausa de "Amen Brother" hasta Young Nudy.

El hip-hop no existiría sin el sampleo. A lo largo de sus 50 años de existencia, raperos, productores y DJ han tomado música antigua y la han hecho nueva nuevamente, remezclando y reinterpretando la creatividad de generaciones anteriores e incorporándola a la cultura actual.

Pero no todo el mundo se siente halagado cuando un rapero prueba su canción. La historia del hip-hop está plagada de batallas legales por muestras no autorizadas, desde los primeros días del salvaje oeste del género hasta la era moderna. Algunas de estas controversias han tenido implicaciones duraderas para toda la industria.

A continuación, echamos un vistazo a algunas de las muestras más controvertidas del hip-hop.

Antes de "Rapper's Delight", el hip-hop era predominantemente una forma de arte en vivo. Los raperos rara vez grababan y preferían actuar para una audiencia en vivo, improvisando raps de estilo libre sobre discos de funk y soul pinchados por DJ. El uso de samplers y cajas de ritmos aún no estaba muy extendido. Sin embargo, Sylvia Robinson, cantante y propietaria de un estudio, quiso aprovechar la tendencia. Formó el grupo de rap Sugarhill Gang e invitó a algunos músicos de estudio a grabar una versión con sonido similar del instrumental de "Good Times" de Chic para que rapearan.

La canción ni siquiera había llegado a las listas de éxitos todavía, aunque se convertiría en la primera canción de hip-hop en superar el Top 40 de Billboard, antes de que Nile Rodgers de Chic escuchara una primera versión en un club de Manhattan. Irónicamente, varios miembros de Sugarhill Gang, así como Fab Five Freddy, se habían unido a la banda en el escenario de un show semanas antes para hacer estilo libre durante "Good Times". A Rogers no le gustó que la canción fuera eliminada, y él y el bajista de Chic, Bernard Edwards, inmediatamente amenazaron con emprender acciones legales, con un acuerdo que los llevó a ser acreditados como coautores.

La canción llevó el hip-hop a la corriente principal, pero también preparó el escenario para muchos casos similares de productores que pidieron perdón en lugar de permiso y enfrentaron las consecuencias.

Otro ejemplo de "muestreo sin muestreo", "Planet Rock" no fue una regrabación directa de una canción anterior como "Rapper's Delight". Tras comprobar la popularidad de las canciones de Kraftwerk en las discotecas de Nueva York, el productor Arthur Baker y la DJ Afrika Bambaataa decidieron fusionar la música electrónica del grupo alemán con el hip-hop.

"Planet Rock" fusiona el ritmo de "Numbers" con la melodía de "Trans-Europe Express", con Bambaataa y Soulsonic Force rapeando arriba, pero Baker recreó ambos con sus propios instrumentos. Sin embargo, nunca pidieron permiso a Kraftwerk y cuando la banda contactó a Tommy Boy Records, el sello decidió darles un dólar por cada copia vendida, aumentando los precios para recuperar el costo.

La canción dio origen a un género, el electro, e influyó en todo, desde el techno de Detroit hasta el bajo de Miami. Años más tarde, Kraftwerk demandó a otro músico por sampleo no autorizado, un caso que llegó hasta el tribunal más alto de Alemania en 2016.

Cuando los Winston, la banda de soul con sede en Washington, DC, grabaron "Amen, Brother", no podrían haber predicho que la pausa de batería de siete segundos interpretada por Gregory Coleman se convertiría en uno de los sonidos más icónicos y frecuentemente replicados de la música. .

Y, sin embargo, eso es exactamente lo que sucedió: después de ser incluido en compilaciones de drum breaks como Ultimate Breaks y Beats diseñados para que los DJ los reproduzcan y muestreen, "Amen Break" se abrió paso en canciones icónicas de hip-hop de NWA ("Straight Outta Compton" ), Mantronix ("King of the Beats"), 2 Live Crew ("Feel Alright Y'all") y, finalmente, incluso el tema principal de "Futurama". Pero la ruptura realmente explotó en el Reino Unido, donde los productores británicos de música dance, que necesitaban pistas más rápidas para el explosivo movimiento rave, aceleraron la ruptura. Lo cortaron hasta que "Amen Brother" fue apenas reconocible, y otros cortes famosos como "Funky Drummer" y "Think" recibieron un tratamiento similar.

El resultado fue Jungle, y sus géneros disidentes, drum and bass y breakcore, y la revolución breakbeat que desató ahora influye en grupos de pop moderno como PinkPantheress y NewJeans. Según WhoSampled, "Amen, Brother" se ha muestreado en 6.174 canciones, lo que puede ser una estimación baja.

Sin embargo, como dice el refrán, la revolución se come a sus hijos. Gregory Coleman, el baterista de los Winstons que originó la ruptura, nunca recibió un centavo de regalías por nada de eso. No tenía hogar en el momento de su muerte en 2006 y, según el líder de la banda de Winston, Richard Lewis Spencer, no tenía idea de que la ruptura había tenido tal impacto. El propio Spencer ha sido indiferente al impacto de la ruptura, a veces calificando su uso como plagio, pero al menos pudo ganar algo de dinero con ello: como el último miembro vivo de los Winston, recibió 37.000 dólares de una campaña de GoFundMe de 2015 destinada a reembolsando algunas de las regalías perdidas antes de morir en 2020.

A finales de los 70 y durante los 80, el hip-hop floreció creativamente como resultado del muestreo creativo. Productores como Bomb Squad de Public Enemy crearon discos llenos de docenas de muestras, un enfoque similar a un collage que influiría en artistas como DJ Shadow y Avalanches. Y, sin embargo, en 1991, una demanda por una muestra no autorizada amenazó con acabar con toda la forma de arte.

Biz Markie, famoso por canciones cómicas como "Just A Friend", había sido arrastrado ante un tribunal federal junto con Warner Bros. Records por utilizar una parte de "Alone Again (Naturally)", una canción pop casi olvidada de los años 70. por Gilbert O'Sullivan. El caso fue un desastre para Markie y para la creatividad en general. El tribunal dictaminó que debido a que el sello se había puesto en contacto con los titulares de los derechos de autor de la muestra, quienes le negaron el permiso para usar la canción y luego la publicaron de todos modos, eran culpables de infracción flagrante y deliberada de los derechos de autor.

El argumento de la defensa de que el muestreo no autorizado estaba muy extendido en la industria musical fue rechazado por el juez Kevin Duffy. En su fallo, que comienza citando el mandamiento bíblico "No robarás", Duffy escribió que: "Los acusados... quieren hacer creer a este tribunal que el robo es rampante en el negocio de la música y, por esa razón, su conducta aquí debe ser excusado."

A Markie se le ordenó pagar 250.000 dólares por daños y perjuicios y fue remitido (pero nunca acusado) a un tribunal penal por robo, lo que apestaba a paternalismo racista. Sin embargo, el resultado principal de la decisión (que cualquier muestra no aprobada constituye una infracción de derechos de autor) fue aún más dañino, creando un efecto paralizador en todo el hip-hop que impidió a los artistas aprovechar al máximo el potencial creativo de la práctica. Warner Bros. eliminó la canción del álbum de Markie y el rapero tituló su próximo disco All Samples Cleared!

¿Es Luther Campbell, el don dada de Miami bass maestros 2 Live Crew, más inteligente que todo el equipo legal de Warner Bros. que echó a perder el caso "Alone Again"? A juzgar por el hecho de que logró arrastrar un caso de muestra no aclarado de un artista mucho más famoso que Gilbert O'Sullivan hasta la Corte Suprema (y ganar), la respuesta es sí.

Al igual que Biz Markie, 2 Live Crew había pedido permiso para utilizar una muestra, en este caso "Oh! Pretty Woman" de Roy Orbison, y fue rechazada. Quizás esto se debió a su reputación poco familiar, ya que el grupo había estado entrando y saliendo de los titulares luchando contra acusaciones de obscenidad por el álbum más vendido As Nasty As They Wanna Be. Sin embargo, lanzaron la canción de todos modos, y cuando el sello de Orbison finalmente presentó una demanda, Campbell presentó una defensa inteligente: uso legítimo.

Campbell declaró que la canción de 2 Live Crew, "Pretty Woman", era una parodia del original de Orbison y, por lo tanto, la muestra constituía un uso legítimo. El caso llegó hasta la Corte Suprema, que revocó un fallo anterior de un tribunal de apelaciones que decía que la canción no podría haber sido un uso legítimo debido a su naturaleza comercial. También estuvieron de acuerdo con el fallo inicial del tribunal de distrito federal que decía que la canción de 2 Live Crew no era lo suficientemente similar a la de Orbison como para constituir una infracción total.

Irónicamente, el propio Campbell luego demandó a 50 Cent por usar "It's Your Birthday" en su exitoso sencillo "In Da Club", mientras que 50 más tarde demandó a Rick Ross por usar el ritmo de esa canción en un estilo libre.

Hov terminó lamentando algunas de las letras sexistas de esta colaboración con Bun B y Pimp C de Houston, pero la razón por la que él y Timbaland terminaron en la corte por "Big Pimpin" fue una muestra polémica. El productor ya había desembolsado más de 100.000 dólares para probar "Khosara Khosara" del compositor egipcio Baligh Hamdi, pero esto no fue suficiente para Osama Ahmed Fahmy, el sobrino de Hamdi.

Citando el concepto legal egipcio de "derechos morales", Fahmy afirmó en una demanda de 2005 que la canción no tenía licencia porque Jay-Z y Timbaland no habían pedido permiso a los herederos de Hamdi. La demanda quedó en un limbo legal durante años antes de que un juez de California finalmente permitiera que Fahmy procediera, momento en el que Linkin Park también había sido retirado debido a una combinación de "Big Pimpin" con su sencillo "Papercut". Durante su testimonio cuatro años después, Jay-Z declaró que no sabía que había siquiera una muestra en la canción, diciendo: "Timbaland me presentó una pista. Ni siquiera pensé en que hubiera una muestra".

El caso finalmente se resolvió en 2018 cuando un tribunal de apelaciones confirmó la sentencia sumaria original a favor de Jay-Z, momento en el que la canción tenía casi 20 años.

Muchas de las muestras utilizadas en Yeezus, el incendiario y famoso álbum de 2013 de Kanye, terminaron sin autorización. West presentó demandas de la banda húngara de rock progresivo Omega (muestreada en "New Slaves") y Ponderosa Twins Plus One (muestreada en "Bound 2") por usar su música sin permiso. Pero fue "Blood on the Leaves" la que atrajo más atención por su descarada (y totalmente autorizada) apropiación de la versión de Nina Simone de "Strange Fruit", originalmente hecha famosa por Billie Holiday.

El hecho de que un rapero megafamoso utilizara un famoso himno contra los linchamientos para denunciar el materialismo y el exceso que abunda en el hip-hop podría haber irritado algunas plumas (algunos críticos conservadores incluso argumentaron que era una canción contra el aborto), pero la canción recibió elogios casi universales.

Es cierto que "Blurred Lines" no es exactamente una canción de hip-hop, pero cuenta con la participación de dos raperos y, aunque no es exactamente una muestra, el "préstamo" demasiado liberal que Robin Thicke y Pharrell hacen de "Got to Give it Up" de Marvin Gaye. "Cambió la industria musical irreparablemente. Ciertamente, la canción fue enormemente controvertida, abriendo un discurso previo al #MeToo sobre la cosificación de las mujeres y la glorificación de la cultura de la violación que finalmente condujo a prohibiciones. Pero fueron las similitudes con la canción de Gaye, de las que Willams y Thicke hicieron alarde en la prensa, así como una acción legal preventiva contra el patrimonio de Marvin Gaye, las que tuvieron un impacto más duradero y dañino.

Williams había argumentado en su denuncia inicial contra la familia Gaye que su reclamo no se basaba en elementos musicales específicos, sino en la similitud nominal de las dos canciones. Sin embargo, un jurado falló por unanimidad a favor de la familia. Básicamente, el caso reescribió los precedentes legales de la ley de derechos de autor musicales de la noche a la mañana, ampliando el alcance por el cual una canción podría considerarse una infracción. Gracias a la demanda por "Blurred Lines", un músico puede vivir con miedo a ser depredado legalmente simplemente porque su nueva canción suena vagamente similar a una de hace 30 o 40 años.

Mientras tanto, se están realizando inversiones masivas en música antigua, en parte para compensar este efecto escalofriante creativo.

No hay nada particularmente incendiario en la quejumbrosa muestra de guitarra de "Shape of My Heart" de Sting que forma la columna vertebral del éxito de rap emo de Juice WRLD. Sin embargo, cuando el productor Nick Mira reveló que Sting se había quedado con el 85 por ciento de los derechos de la canción, se convirtió en una demostración de cómo el sampleo se ha convertido en una forma para que los artistas establecidos exploten los nuevos talentos.

También atrajo una demanda de la banda de pop-punk Yellowcard, quien citó similitudes con su tema "Holly Wood Died". El propio Juice WRLD restó importancia a la situación y dijo: "Siempre se puede ganar más dinero". La demanda fue retirada posteriormente después de la trágica muerte temprana del rapero de 21 años en diciembre de 2019.

Una de las canciones inéditas más exitosas de los últimos tiempos es también una advertencia para mantener las filtraciones bajo control. La canción originalmente titulada "Pissy Pamper" era una pista producida por Pi'erre Bourne originalmente destinada a Sli'merre, su mixtape colaborativo con Young Nudy.

Con su uso destacado de un bucle de "Tasogare" de la cantante japonesa Mai Yamane (mejor conocida por los fanáticos del anime por el tema final de "Cowboy Bebop"), lamentablemente la pista nunca llegó al disco debido a un problema de autorización de muestras. Pero de alguna manera, un archivo filtrado llegó a Spotify, donde su componente asesino, un evocador verso de "voz de bebé" de Playboi Carti en el pico de la histeria anterior a Whole Lotta Red.

El resto es historia: memes de Internet, recargas sin partes de Nudy, etc. Gracias a las redes sociales, la canción es una piedra de toque generacional que no debería existir legalmente.

Escuche la lista de reproducción del 50 aniversario de hip-hop de GRAMMY.com: 50 canciones que muestran la evolución del género

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La década de 2020 cambió las ventas de discos por grandes personalidades y artistas con inclinación por la viralidad. Siga leyendo para conocer cinco canciones y álbumes cruciales que definieron la década.

Solo han pasado tres años de la nueva década, pero una nueva era de artistas de hip-hop ya ha dejado su huella en este género en constante evolución.

En la década de 2020, las plataformas de redes sociales como TikTok han desempeñado un papel cada vez más importante en la trayectoria de la carrera de un artista. Las redes sociales han dado a artistas como Finesse2tymes, Coi Leray, Baby Keem, Ice Spice y otros su primera señal de impulso, y todos han ascendido al estrellato siguiendo la misma fórmula.

La década también ha demostrado ser una época dorada para las estrellas femeninas del rap, con talentos emergentes como Latto, Megan Thee Stallion, Sexyy Red, GloRilla y otros que se suman a la carga impulsada por las mujeres. Artistas masculinos como Lil Durk, Fivio Foreign, Lil Baby y otros se han convertido en las voces principales de sus respectivas ciudades.

Mientras tanto, el ahora veterano MC Drake sigue siendo uno de los nombres más importantes del género y uno de los creadores de éxitos más consistentes. Las supernovas del rap J. Cole, Tyler, the Creator y Kendrick Lamar han seguido ejerciendo sus poderes de cambio cultural en los años 20, mientras que los legados de los artistas fallecidos Nipsey Hussle, Pop Smoke, DMX, PnB Rock, Takeoff y otros han continuado. ha sido inmortalizado por dedicatorias musicales, homenajes en video y proyectos póstumos apoyados por aquellos que apreciaron sus contribuciones.

Los sonidos y estilos de otras regiones continúan fusionándose con los de los artistas de hip-hop nacionales. Entre las tendencias más importantes entre géneros, se encuentran éxitos del afrobeat, el reggaetón y el afro-swing como "TKN" de Travis Scott y Rosalía, "Who Told You" de J Hus y Drake y "Call Me Every Day" de Chris Brown y WizKid. -La expansión musical del hop. Si bien la década de 2010 señaló la naturaleza ilimitada de la música rap, en la década de 2020 el género es tan diverso socialmente como siempre.

A partir de nuevos flujos, colaboraciones y ritmos increíbles, el hip-hop sin duda seguirá evolucionando durante los próximos seis años y medio. Siga leyendo para conocer cinco lanzamientos que han definido la década de 2020 hasta ahora.

Lil Baby se ha convertido en una de las principales figuras del rap de Atlanta. Cobró impulso con mixtapes Too Hard, Street Gospel y su proyecto colaborativo con Gunna, Drip Harder. Pero el ascenso total de Baby se produjo con la entrega de My Turn, una culminación de sus mayores himnos callejeros y sus éxitos más conceptualizados.

El proyecto de 20 pistas estaba lleno de los discos de trap más importantes del año, que incluían a las estrellas del rap Lil Uzi Vert, Moneybagg Yo, Future, Young Thug, Rylo Rodriguez, Lil Wayne y 42 Dugg, firmante de 4 Pockets Full. El álbum también atrajo a un conjunto estelar de creadores de ritmos, con el superproductor Hit-Boy, Murda Beatz, Tay Keith, Quay Global, Twysted Genius y otros que echaron una mano en la producción.

My Turn le valió a Lil Baby su primer álbum número uno y encabezó las listas en 10 países. Y junto con las importantes ventas, el sencillo "Bigger Picture" fue nominado a dos premios GRAMMY en 2021 y presentó al mundo al rapero Quality Control Music a escala global.

Tyler, the Creator dio un giro sonoro a Flower Boy e Igor de 2019, lo que le valió al artista de "See You Again" una audiencia más amplia y nuevo hardware para su colección de trofeos. Los dos álbumes fueron trabajos personales y profundamente transitorios que mostraron el arte de Tyler de maneras nunca antes vistas.

Adoptó un sonido más alternativo liderado por cuentos románticos impulsados ​​por la armonía, discos punk tipo "f-you" y destellos ocasionales del Tyler de antaño. Pero Call Me If You Get Lost de 2021 (presentado por el legendario ejecutivo musical DJ Drama) fue el regreso completo de Tyler, el MC. Aunque habían pasado años desde que el artista con sede en California mostró su destreza lírica en un proyecto de larga duración, sus habilidades nunca fallaron.

Tyler recuperó su forma distintiva de Wolf de 2013 y sus trabajos más antiguos. Hizo alarde de sus riquezas en "Runitup" y "Lemonhead", impulsadas por la fanfarronería, exploró el romanticismo en "Wusyaname" y abordó su ascenso de artista desconocido a figura internacional en "Massa".

El sonido del proyecto fue elaborado en gran medida por el propio Tyler con otras contribuciones de los productores Jay Versace, Madlib y Jamie xx. El producto terminado fue elogiado por la crítica y le valió a Tyler su segundo premio al Mejor Álbum de Rap en los GRAMMY 2022. Y casi dos años después del lanzamiento del álbum, Tyler lanzó una versión de lujo del álbum que incluía ocho canciones adicionales con apariciones de los artistas A$AP Rocky, YG y Vince Staples.

Antes de Mr. Morale & the Big Steppers, habían pasado cinco años desde que los fanáticos escucharon un proyecto completo de Kendrick Lamar. El rapero de Compton se tomó su tiempo con el lanzamiento de su quinto estudio, particularmente sentimental para el "DNA". artista. No solo marcó su primer proyecto bajo su nuevo colectivo creativo PGLang, sino que también cerró el libro de su tiempo en Top Dawg Entertainment.

Con cambios importantes en ciernes, Mr. Morale & the Big Steppers fue un trabajo magistral y reflexivo que reflejó el viaje de Lamar en terapia. A lo largo del álbum se encuentran temas relacionados con el alcoholismo, el duelo, el culto a las celebridades, la infidelidad y el trauma infantil. Los matices conscientes se superpusieron con ritmos ricamente elaborados por colaboradores de toda la vida DJ Dahi, J. Lbs, DJ Dahi, Sounwave y Bekon, con contribuciones adicionales de Boi-1da, the Alchemist y otros.

El álbum estuvo encabezado por tres sencillos, "N95", "Die Hard" y "Silent Hill" con Kodak Black, que ayudaron a que el álbum alcanzara el número 1 en el Billboard Hot 100. Fue la cuarta lista del artista de "Alright". -proyecto líder y ganó el premio al Mejor Álbum de Rap en la 65ª edición de los Premios GRAMMY y restableció su dominio en el género.

Cuando una de las estrellas más importantes del Sur se une al creador de éxitos más consistente del rap, seguramente revolucionará el género. Y después de colaborar en canciones como "Sneakin", "Issa", "Mr. Right Now" y otras, eso es exactamente lo que Drake y Her Loss de 21 Savage lograron hacer.

La colaboración llegó en un buen momento para 21 Savage, que estaba a dos años de Savage Mode II, y para Drake, que acababa de lanzar el álbum de baile críticamente mezclado, Honestly, Nevermind. El álbum de 16 pistas estuvo plagado de éxitos callejeros como "BackOutsideBoyz", "Rich Flex" y "Treacherous Twins".

A pesar de todos los picos del álbum, la controversia se cernió sobre el proyecto inmediatamente después de su lanzamiento. En la canción "Circo Loco", muchos fanáticos afirmaron que Drake criticó a su colega estrella del rap Megan Thee Stallion en la canción con la letra: "Esta perra miente sobre recibir inyecciones, pero sigue siendo un semental / Ni siquiera entiende el chiste. pero ella todavía sonríe." La historia fue recogida por varias publicaciones y las teorías de los fanáticos circularon durante semanas después del lanzamiento del álbum.

Aun así, el álbum encabezó el Billboard 200 con más de 400.000 unidades equivalentes a álbumes, reemplazando a Midnights de Taylor Swift del primer puesto. Todas las pistas debutaron en el Billboard Hot 100, y ocho de ellas llegaron al top 10.

"Munch (Feelin' U)" de Ice Spice hizo que los fanáticos gravitaran hacia el nativo del Bronx de cabello rizado, quien encontró oro con el éxito viral que dejó a una nueva generación de hombres preguntándose si son llamados estrictamente por placer o por afecto genuino. El repentino estrellato le abrió las puertas al MC de "Bikini Bottom".

Después de aparecer en portadas de revistas y aparecer en la ilustre Met Gala, colaboró ​​con su ídolo Nicki Minaj en el éxito "Princess Diana". La canción fue la segunda pista del EP debut de Spice, Like..?, pero la incorporación de Minaj impulsó su marca obsesionada con el twerk y amante de la avena a nuevas alturas.

Con el éxito de "Princess Diana", los dos artistas colaboraron nuevamente en la canción de la banda sonora de la película Barbie "Barber World (with Aqua)". Las colaboraciones sólo se sumaron a su serie de éxitos en Internet, una lista que incluye discos como "Boy's a Liar Pt. 2" e "In Ha Mood". Todavía le queda un largo camino por recorrer para que su éxito sea sustancial, pero Spice ya se ha establecido como el producto más popular en la década de 2020.

Lanzamientos esenciales de hip-hop de la década de 2010: Ye, Cardi B, Kendrick Lamar y más

Foto: Johnny Núñez/WireImage

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En una entrevista con GRAMMY.com, los pioneros del hip-hop, DJ Kool Herc y Cindy Campbell, hablan sobre los orígenes de la cultura en la sala de recreación de su apartamento y las innumerables formas en que su herencia jamaicana influyó en el hip-hop.

El 11 de agosto de 1973, la estudiante de secundaria Cindy Campbell organizó una fiesta en la sala de recreación del edificio de apartamentos de su familia en el Bronx para ganar dinero y comprar ropa nueva para el regreso a clases. Cindy escribía invitaciones a mano en fichas y cobraba una modesta tarifa de entrada (25 centavos para las damas, 50 centavos para los "muchachos"); Le pidió a su hermano Clive, de 18 años, que tocara la música.

Clive, más conocido como DJ Kool Herc, instaló sus tocadiscos, mezcladores, amplificadores y altísimos parlantes, que hacían sonar una mezcla de discos de funk y soul. El amigo de Herc, Coke La Rock, nativo del Bronx, gritaba intermitentemente amigos y rimas rápidas sobre las pausas instrumentales de los discos para entusiasmar a la multitud. Si bien la gran participación de sus compañeros aseguró que Cindy comenzaría el año escolar vistiendo la última moda, los hermanos habían hecho algo infinitamente más importante: Cindy y Herc provocaron un movimiento.

El origen preciso de cualquier género musical rara vez se puede rastrear hasta un solo evento. Pero la fiesta de Cindy y Herc en 1520 Sedgwick Avenue, celebrada hace 50 años, es ampliamente reconocida por sentar las bases sobre las que se construyó el hip-hop.

"Desde mi fiesta de regreso a clases donde tocó mi hermano Herc, su influencia con la música, las canciones, los ritmos que eligió, supo que tenía algo especial allí. Dominó la década de 1970 y creó esto que llamamos hip -hop", dijo Cindy Campbell a GRAMMY.com en una entrevista telefónica reciente, y Herc se unió más tarde a la conversación.

Pero el término hip-hop, que abarca los cuatro elementos del movimiento (maestro de ceremonias o rap, breakdance, graffiti y tocadiscos) no se utilizaría hasta varios años después de que tuviera lugar la fiesta de regreso a clases.

Cindy dice que uno de los eventos más significativos en la elevación del perfil del hip-hop fue la película Beat Street de 1984, de la cual Harry Belafonte fue productor ejecutivo. "En un momento, la gente no sabía hacia dónde se dirigía el hip-hop, pasó desapercibido, pero Harry hizo la película porque sabía que algo especial estaba sucediendo; llevó el hip-hop a otro nivel y la música se hizo internacional. ", reflexiona.

Décadas después, el hip-hop está celebrando múltiples hitos y Herc recibirá sus flores.

El 3 de noviembre, DJ Kool Herc será incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en una ceremonia celebrada en el Barclays Center de Brooklyn.

"Diría que ya era hora, ¡pero no estoy enojado con ellos porque Willie Nelson será admitido este año y tiene 90 años!" bromea Herc. El Rock Hall identifica a Herc, de 67 años, como uno de los fundadores del hip-hop, pero Herc ofrece una aclaración: "Soy el padre fundador del hip-hop", afirma, "porque nadie más estaba haciendo esto cuando comencé". ".

Clive Campbell, un ex artista de graffiti cuya etiqueta era CLYDE (por la mala pronunciación de Clive por parte de sus amigos) AS KOOL (tomado de un anuncio de cigarrillos), se ganó el apodo de Hércules en la escuela secundaria por su imponente y musculosa estatura y su excelencia en los deportes. Pero fue la experiencia de Herc como bailarín la que le llevó a desarrollar su innovadora técnica como DJ.

Detrás de los tocadiscos, Herc prestaba mucha atención a los bailarines de sus fiestas y sus respuestas a sus selecciones musicales; notó que lo que más les entusiasmaba eran las pausas instrumentales de la canción. Basándose en esa observación, Herc utilizó copias dobles del mismo disco en dos tocadiscos, cambiando entre ellas con un mezclador y prolongando el breve intervalo de percusión de una canción en un bucle rítmico hipnótico extendido. Llamó a su enfoque distintivo el tiovivo y influiría en otros DJ pioneros del hip-hop del Bronx, incluidos Grandmaster Flash y Afrika Bambaataa.

"Tenía dos copias del mismo disco y elegí la yema y la mantequilla. Encontré los ritmos, la pausa y los reproduje en todos los discos", recuerda Herc. "No tenía auriculares en ese momento, pero podía ver los cortes en los ritmos del disco y simplemente iba y venía. Una vez que los bailarines escucharon eso, lo único que querían escuchar eran los cortes. "Otros DJ tenían discos". ofrece Herc, "pero yo tenía un estilo que ellos no tenían, el estilo de Herc, el tiovivo".

Hip-Hop: nacido de un paisaje sonoro ecléctico

Al igual que su padre, que era un ávido coleccionista de discos, Herc escuchaba una variedad ecléctica de música: los sencillos clásicos de ska jamaicano de Prince Buster and the Skatalites, los icónicos lamentos country de Jim Reeves, pepitas de soul y éxitos del Top 40. "En aquel entonces escuchaba WWRL AM y [las leyendas de la radio de la ciudad de Nueva York] Frankie Crocker en WBLS FM y Cousin Brucie en WABC AM; escuché a Boz Scaggs, Three Dog Night, 'Sympathy for the Devil' de los Rolling Stones, '", compartió Herc.

Herc eligió los discos según sus pausas, independientemente del género, y los entretejió en un paisaje sonoro estimulante que se convirtió en la base auditiva del hip-hop. "Se me ocurrió toda esa música, sin racismo", explica Herc. "Si eres chino, negro o blanco, estás bien, todos sangramos de rojo, porque el lema de Jamaica es 'De muchos un solo pueblo'".

Clive y Cindy Campbell nacieron y crecieron en la capital de Jamaica, Kingston; Desde una edad temprana, estuvieron expuestos a la cultura sound system de la isla, una importante plataforma de entretenimiento en las comunidades económicamente deprimidas de Jamaica. Los sistemas de sonido (discotecas móviles) aparecieron por primera vez en Kingston a finales de la década de 1940 y proliferaron a lo largo de las décadas de 1950 y 1960, inicialmente reproduciendo discos de R&B estadounidenses. Sin embargo, la necesidad de los sistemas de sonido de música exclusiva aceleró la naciente industria discográfica de Jamaica, lo que condujo al posterior nacimiento del ska, el rocksteady, el reggae y el dancehall.

Cada sonido empleaba un selector, que tocaba los discos, y un maestro de ceremonias o "deejay" en el lenguaje jamaicano, que rimaba o "brindaba" por los segmentos instrumentales de los discos. Los primeros tostadores, como Count Matchuki y King Stitt, fusionaron su dialecto jamaicano con la imitación de los locutores de radio que escuchaban en estaciones con sede en el sur de Estados Unidos que se transmitían a la isla.

Clive y Cindy observaron a los sonidistas más populares de la época, incluidos Clement "Sir Coxsone" Dodd (Downbeat the Ruler), Duke Reid (Trojan) y el más influyente para Herc, George Edwards, también conocido como King George del sonido King Edwards, mientras configuraban sus respectivos equipos por la tarde antes de los bailes de la noche. "King George, así es como se desarrolló mi oído, al escucharlo", dice Herc.

Los bailes atrajeron a grandes multitudes y generaron ingresos no sólo para los sistemas de sonido y los promotores de las sesiones, sino también para los vendedores de comida y bebida, incluso sastres y modistas porque muchos clientes compraron ropa nueva para lucir lo mejor posible.

"Mi padre tenía muchas inclinaciones musicales, tenía lo último en música, iba a fiestas y uno de sus buenos amigos, el Sr. Jim, era hermano de Coxsone Dodd", dice Cindy. "Éramos demasiado jóvenes para participar, pero nuestros padres y familiares hablaron sobre la experiencia. Los bailes se llevaron a cabo afuera, así que vimos cómo los jamaicanos presentaban y promocionaban sus bailes, y qué se debía hacer para tener una fiesta exitosa. Esas cosas "Tuvo una tremenda influencia en cómo hacíamos nuestras fiestas en el Bronx".

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Los Campbell emigraron al Bronx (Nueva York) durante la década de 1960, y su reubicación fue dirigida por la madre de Clive y Cindy, Nettie, mientras ella cursaba sus estudios de enfermería. Clive llegó al Bronx en 1967. Con la ayuda de su padre, Herc instaló su propio sistema de sonido, The Herculoids, cuyo sonido potente y retumbante replica lo que escuchó en su juventud en Kingston con una diferencia significativa. "Muchos jamaicanos enfatizan los graves para sacudir la cintura. A mí me gustan los graves, pero me gusta descomponer el sistema porque tienes agudos, tienes medios y graves, así que lo desglosé".

Herc tocaba principalmente funk y soul, así como algún que otro disco de rock. "Toqué música, una para los mayores y otra para los jóvenes. Yo lo llamo estilo de gente adulta", explica Herc. "Si puedo bailarlo, lo tocaré".

Su técnica de tiovivo transformó las pausas en una variedad de sencillos, desde "Apache" de Incredible Bongo Band hasta "Scorpio" de Dennis Coffee, "Give It Up Turn It Loose" de James Brown y "Right Place" de Dr. John. Wrong Time" en temas de percusión hipnóticos y prolongados. El padre de Herc le dijo que eliminara las etiquetas de sus discos para proteger su identidad de los DJ rivales, una práctica utilizada por los selectores del sistema de sonido de Kingston para superar a sus oponentes en los choques de sonido.

A finales de 1973, la sala de recreación no podía acomodar el tamaño de la multitud que asistía a las fiestas de Herc, por lo que él y Coke La Rock trasladaron sus sesiones a parques y clubes de todo el Bronx. Los rápidos gritos de Coke La Rock se convirtieron en rimas que se transformaron en letras, incluyendo "hotel, motel, no lo digas, no lo diremos", que fue interpolado por Big Bank Hank de Sugar Hill Gang en el primer disco exitoso del rap. "El deleite de rapero." El influyente modelo que estableció La Rock es un trasplante estadounidense de mediados de la década de 1970 de la práctica de los DJ jamaicanos de hablar sobre los discos.

Respeto por las raíces jamaicanas de la cultura

Algunos fanáticos del hip-hop desde hace mucho tiempo, blogueros e incluso historiadores han minimizado el sistema de sonido jamaicano como base para el desarrollo de la cultura. Incluso en Jamaica, donde el hip-hop es ampliamente escuchado, muchos desconocen los ancestros del movimiento. "Nos damos cuenta de que los jamaiquinos nunca han comprendido realmente lo que ha hecho el hip-hop, en relación con el hecho de que nosotros venimos de la isla de Jamaica", dice Cindy.

Posiblemente el único evento hip-hop 50 que explora las complejidades de la conexión sound system/hip-hop sea Faawud: Celebración oficial del 50.° hip-hop de Jamaican Sound System Culture, que se llevará a cabo en una fecha posterior. Faawud incluirá una competencia de tocadiscos, una batalla amistosa entre un maestro de ceremonias de rap y una tostadora jamaicana y una exhibición de componentes de audio y parafernalia de los primeros días del hip-hop y el reggae, con los DJ King Addies, Revolution Sound y DJ Myte tocando temas clásicos. Representando ambos géneros.

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Un panel que explorará las raíces del sistema de sonido del hip-hop incluirá a Herc, Grandmaster Kaz (maestro de ceremonias/líder del grupo pionero de hip-hop Cold Crush Brothers) que asistió a la legendaria sesión de regreso a clases de Cindy y Herc, y Danny Dread, el venerable selector titular. con King Addies, que celebran su 40 aniversario. Danny y Herc tocarán cada uno en sets de 15 minutos y a la medianoche del 11 de agosto, Herc marcará el comienzo del cumpleaños oficial del hip-hop.

Cindy Campbell, Kool Herc y Coke LaRock recibirán premios, al igual que sus homólogos jamaicanos Danny Dread y el veterano tostador Big Youth, uno de los primeros DJ que logró grabar discos a principios de los años 1970.

"Los artistas jamaicanos y caribeños han tenido un impacto increíble en el nacimiento y crecimiento del hip-hop y su influencia ha sido ignorada durante demasiado tiempo", comenta James Cuthbert, presidente de Rock The Bells, uno de los socios presentadores de Faawud. "En este quincuagésimo aniversario del hip-hop, si vamos a honrar la cultura y los íconos que la crearon, tenemos que hacerlo bien".

En 2021, una resolución del Congreso declaró oficialmente el 1520 de Sedgwick Avenue como el lugar de nacimiento del hip-hop, tras una batalla contra los propietarios que querían cerrar la vivienda histórica. En un esfuerzo por salvar el edificio, Herc y Cindy trabajaron con el senador de Nueva York Chuck Schumer, quien se maravilló de sus logros como inmigrantes en la ciudad de Nueva York.

"El senador Schumer dijo: 'Dios mío, esta es una historia de inmigrantes'", dice Cindy. "El hip-hop nació en Estados Unidos, pero es una historia fantástica de inmigrantes. La gente no se da cuenta de que dos inmigrantes de Jamaica hicieron esto. ¿Por qué? Porque pasamos desapercibidos. No demandamos a nadie ni nos subimos al tren diciendo "Hicimos esto o aquello. No era necesario; los 50 años hablan por sí solos".

19 conciertos y eventos que celebran el 50 aniversario del hip-hop

Foto: Jason Koerner/Getty Images

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Conocido por sus estridentes mosh pits y sus momentos virales, Rolling Loud Miami contó con más de 100 artistas en el transcurso de tres días. Mira siete de las actuaciones más enérgicas e inolvidables de Rolling Loud Miami 2023.

El aguacero del viernes por la tarde no fue suficiente para hacer chisporrotear la energía (o el calor) en el primer día de Rolling Loud Miami.

Para su última parada del año, Rolling Loud regresó al Hard Rock Stadium en Miami Gardens para su octava edición anual insignia de Miami. Con más de 100 artistas programados para actuar durante los tres días del festival, miles de fanáticos desafiaron las temperaturas abrasadoras para experimentar algunos de los actos más importantes del hip-hop, incluidos Playboi Carti, Ice Spice, City Girls, Latto, Lil Uzi Vert, Offset y ASAP Rocky. Este año también fue la primera vez que Rolling Loud reclutó artistas latinos para actuar. El reggaetonero Anuel AA y el artista dembow El Alfa subieron al escenario principal el viernes y sábado, respectivamente, para interpretar sus canciones más importantes frente a una multitud masiva de fanáticos.

Conocido por sus estridentes mosh pits y sus momentos virales, Rolling Loud no estaría completo sin caos y espectáculo. Aparte de los horarios retrasados ​​en el escenario principal de Gopuff y Travis Scott comenzando su actuación casi una hora tarde, las actuaciones notables incluyeron a Offset sacando a Cardi B para interpretar su verso en "Motorsport", Travis Scott anunciando la fecha de lanzamiento de su nuevo álbum, Utopia. y la película que lo acompaña Circus Maximus, y ASAP Rocky aparentemente menospreciando a Scott mientras interpreta una nueva canción de su próximo álbum, Don't Be Dumb.

Dejando a un lado el drama y el caos, los artistas subieron a los escenarios durante todo el fin de semana con actuaciones enérgicas e inolvidables. Aquí están nuestros siete sets destacados de Rolling Loud Miami.

Vestido con un abrigo de piel blanco y cabello blanco, Fousheé electrizó el escenario Culture Kings con gritos de heavy metal y giros vertiginosos. La cantante, compositora y guitarrista de Nueva Jersey se volvió viral en 2020 cuando el rapero Sleepy Hallow usó la voz de su canción "Deep End" en una de sus canciones virales. Desde entonces, se ha hecho un espacio para su sonido de pop y rock alternativo.

Mientras el sol se desvanecía en el cielo, Fousheé iluminó a la multitud interpretando canciones de su álbum softCore como "simmer down" y "scream my name". Flanqueada por dos guitarristas, su voz cautivadora y audaz incitó energía entre la multitud de fans alineados alrededor de su escenario.

Dirigió su actuación con el coraje y el carisma de quienes la precedieron, como Tina Turner. Fousheé declaró: "Las mujeres negras comenzaron esta mierda y la vamos a recuperar".

La rapera de St. Louis hizo su debut en Rolling Loud el viernes, luciendo su característico cabello rojo y un traje rojo brillante. Sexyy Red dejó atónitos a los fanáticos mientras se pavoneaba hacia el Sprite Stage, guiando a dos hombres enmascarados con correas. Apenas unos meses antes, estuvo involucrada en una controversia por parecer que NLE Choppa la paseaba como un perro en su video "Slut Me Out (Remix).

Sexxy Red prendió fuego al primer día, interpretando sus éxitos más virales, "Female Gucci Mane", "Pound Town" y "SkeeYee" de su reciente álbum, Hood Hottest Princess. También invitó al rapero Sukihana a interpretar su obsceno himno de twerk, "Born By the River".

Para su primer set de Rolling Loud, la inclinación de Sexxy Red por las letras y las acrobacias audaces y descaradas demostró que no se disculpa y que llegó para quedarse.

Recién salido del lanzamiento de su nuevo álbum, Sremm 4 Life, Rae Sremmurd fue una de las mejores actuaciones del viernes por la noche. El dúo dinámico convirtió el Sprite Stage en una fiesta mientras interpretaban éxitos consecutivos como "No Flex Zone", "Come Get Her", "Swang", "This Could Be Us" y "Powerglide". Los creadores de éxitos recordaron a los fanáticos su capacidad de permanencia con su energía digna del escenario principal.

Con un traje de Dior, Swae Lee saltó a un mar de fanáticos en su tabla de surf mientras Slim Jxmmi, vestido completamente de blanco, saltó a la barricada al frente del escenario para saludar a la audiencia. Mantuvieron a la multitud encendida mientras iban y venían entre sus éxitos más icónicos y sus nuevas canciones. Ralentizaron un poco las cosas en "Sativa", un éxito fascinante y alucinante con Jhené Aiko.

La pareja lo mantuvo presionado al otro lado del festival justo cuando el artista principal Playboi Carti se preparaba para comenzar su presentación. Pero los fanáticos no parecían apresurados por dirigirse al escenario principal. Rae Sremmurd mantuvo a una multitud sofocante serpenteando a lo largo de los bordes de su escenario, lista para festejar durante toda la noche.

El retraso del cartel principal de Travis Scott el sábado por la noche no disuadió a los fanáticos de incitar al caos total. Su presentación comenzó con un avance de la película que adelantaba el lanzamiento de su tan esperado álbum Utopia y la película que lo acompaña, Circus Maximus.

El enigmático rapero apareció en el escenario rodeado de terreno volcánico humeante y fuego disparando desde el escenario. Las temperaturas insoportables no rivalizaron con el calor que Scott trajo mientras interpretaba éxitos de su aclamado álbum ASTROWORLD de 2018, "HIGHEST IN THE ROOM", "BUTTERFLY EFFECT" y "STARGAZING".

Durante el resto de su presentación, Scott emanó una presencia de otro mundo rapeando "Praise God" (un sencillo asistido por Baby Keem de Ye's Donda) y una de sus canciones más populares, "goosebumps". Mientras los fuegos artificiales se disparaban en el aire a su alrededor, Scott terminó su presentación diciéndoles a los fanáticos que lo que acababan de presenciar fue su última presentación de ASTROWORLD y revelando la fecha de lanzamiento del 28 de julio para su nuevo álbum y la película que lo acompaña.

La actuación de una hora concluyó oficialmente la era temática de ASTROWORLD de Scott, que fue a la vez el catalizador para lanzar a Travis Scott al superestrellato del hip-hop y el tema de controversia cuando un aplastamiento fatal de la multitud en su festival anual ASTROWORLD de 2021 resultó en 10 muertes.

Invitó a sus fans al show Utopia Livestream en las Pirámides de Giza en Egipto, diciendo "encuéntrame en las pirámides si puedes", antes de desaparecer en la noche tan rápido como emergió.

Luh Tyler se volvió viral el año pasado por su ritmo constante en "Law & Order", un remix del tema principal del drama criminal del mismo nombre, y en abril su álbum debut, My Vision, alcanzó el puesto número 2 en el Billboard. Gráfico de los principales buscadores de calor. El nativo de Tallahassee, Floria, de 17 años, actuó en el escenario de Culture King junto a los artistas invitados inesperados DDG, Danny Tower, DD Osama e incluso su propia abuela.

Rapeó algunas de sus letras más memorables de la canción viral de Tiktok "Florida Water" con Danny Towers, DJ Scheme y Ski Mask the Slump God y cerró su set con "Law & Order". Recientemente nombrado uno de los estudiantes de primer año de 2023 de XXL, la confianza y el encanto de Luh Tyler en el escenario hicieron que el set de este recién llegado fuera uno de los más emocionantes de presenciar.

Con algunos años y un nuevo álbum, Coi, en su haber, Coi Leray ha demostrado a sus fanáticos y detractores que es más que una maravilla de un solo éxito. Ella dirigió con confianza su escenario con el pelo negro corto y escasamente vestida con un traje de dos piezas de cuero brillante. Flanqueada por bailarines vestidos completamente de negro, interpretó éxitos populares virales de Tiktok, "TWINNEM", "Players" y "No More Parties".

Coi Leray bailó toda la noche con un set mezclado con nuevas canciones de Coi, llevando la energía a nuevas alturas con su nostálgica canción sampleada de "Pump Up the Jam", "Make My Day", y la canción exagerada "Run It Up". promovió el amor propio con su sencillo "Self Love" producido por Metro Boomin de la banda sonora de Spider Man: Across the Spiderverse antes de finalizar el set con el himno de empoderamiento femenino "Players".

La divertida actuación de Coi Leray no solo fue destacada sino que también abarcó el ascenso de las mujeres en el rap. Otras raperas destacadas durante el fin de semana fueron Latto, GloRilla, City Girls y Lola Brooke.

Danny Towers ha sido un elemento básico de Florida desde su ascenso en la era SoundCloud del sur de Florida junto con los fallecidos XXXTentacion y Juice WRLD, Ski Mask the Slump God y DJ Scheme. Su set encarnaba las raíces de Rolling Loud con canciones como "Chunky Monkey" y el éxito viral Ski Mask the Slump God, DJ Scheme y Lil Yachty "How You Feel? (Freestyle)".

Terminó su presentación en el escenario de Culture Kings con "Florida Water", un himno viral de Florida en TikTok producido por DJ Scheme con Luh Tyler y Ski Mask the Slump God. La canción de cierre fue apropiada para el último día de Rolling Loud. Mientras fanáticos de todo el país gritaban y gritaban la letra de la canción, Danny Towers les recordó a todos la ciudad y la cultura que fue el catalizador del festival de hip-hop más grande del mundo.

19 conciertos y eventos que celebran el 50 aniversario del hip-hop